EtherREAL - Magazine de musiques actuelles - électroniques, expérimentales - et de pratiques artistiques contemporaines

Erre

François Bousquet — 2012-03-05T17:27:01Z

Ouvert depuis près de deux ans, le Centre Pompidou-Metz présente tous les atours d'une belle réussite : placement idéal du bâtiment juste derrière la gare et dans un quartier en pleine transformation, architecture élégante et légère, aménagement intérieur impeccable (jusqu'aux banquettes très confortables) et public nombreux. Histoire de capitaliser intelligemment sur ce succès, la plupart des expositions présentées restent entre six et dix-sept mois à l'affiche ; tel est par exemple le cas de la future rétrospective des dessins muraux de Sol LeWitt ou de la monographie consacrée aux frères Bouroullec que nous nous contenterons de mentionner, n'étant pas forcément qualifiés pour rendre compte d'une présentation d'objets et meubles designs (a fortiori quand à peine la moitié d'entre eux est manipulable).


Frank Stella - Mas o Menos: (courtesy Centre Pompidou)

Située aux deux premiers niveaux du Centre, Erre prévoit de se concentrer sur la figure du labyrinthe, motif plutôt récurrent dans l'histoire de l'art et de l'architecture, pour une présentation dense et ambitieuse. Afin de poser clairement le propos, les premières salles offrent des exemples de labyrinthes au sens strict : errance dans une ville-labyrinthe sicilienne (Raphaël Zarka), petites lithographies faites de symboles typiques (Richard Long), dessin d'un dédale (Robert Morris) ou croquis d'une ville spatiale (Yona Friedman). Très habilement, les commissaires Hélène Guenin et Guillaume Désanges débutent donc, pour illustrer un dispositif complexe, par des artistes minimaux, et notamment la magnifique Mas o Menos de Frank Stella.


Alexandre Rodtchenko - Rommconstruction n°11: (courtesy Berlinische Galerie)

Plus logiquement, des constructivistes apparaissent (Alexandre Rodtchenko et son carré dans un carré, flottant au-dessus des têtes) puis le land art, symbolisé par la Spiral Jetty de Robert Smithson et l'hommage que lui rend Carl Andre. Alors qu'on passe ensuite à des labyrinthes mentaux ou aux interactions entre espace et temps que peuvent générer ces entrelacements, on croise, inévitablement compte tenu de l'ampleur de l'exposition, certaines œuvres qui peuvent paraître voir leur lien avec le labyrinthe un rien forcé. Ainsi en est-il des Maps de Thomas Hirschhorn, grandes fresques censées retracer les principales pensées philosophiques occidentales et leurs connexions. Démonstratifs à l'excès, ces panneaux n'échappent pas au reproche de la facilité du gros trait qu'ils utilisent eux-mêmes pour relier figures et ouvrages. Constat un peu similaire pour le Two Into One Becomes Three de Matt Mullican qui se déploie sur tout une hauteur et illustre l'encyclopédie, dont on peine à percevoir le lien avec le labyrinthe, sinon qu'on peut aussi s'y perdre.

Plus prosaïquement, Mike Kelley propose une maquette de ville-labyrinthique et Gianni Pettena réactive une installation conçue en 1971, faite de bandes de papier tombant des cintres et dont quelques-unes ont été découpées pour tracer un chemin pour les visiteurs. Élément récurrent de l'exposition (ce qui peut, d'ailleurs, être perçu comme une incapacité de celle-ci à réellement compartimenter son sujet), la ville-labyrinthe se voit ensuite consacrer quelques nouvelles salles, avec la diffusion du Métropolis de Fritz Lang, les Cartes Mémoires de Julien Discrit, le fil tiré du pull de Francis Alÿs qu'il laisse derrière lui quand il déambule, les dessins sur calque de Christophe Berdaguer et Marie Péjus ou la création en images de synthèse de Nicolas Moulin.


Günther Uecker - Spirale III: (courtesy Centre Pompidou)

Ainsi perdu dans le dédale des cités, le spectateur restera décontenancé en montant à l'étage, dans l'espace consacré à la cinétique avec les mobiles de Gianni Colombo, les clous plantés en spirale de Günther Uecker ou les travaux de Vera Molnár. Plus encore, la superbe suite de pièces de Julio Le Parc nous plonge dans des espaces de jeux entre miroirs, lumières et plaques de métal scintillantes. Particulièrement saisissantes, nous faisant aisément perdre nos repères, ces créations manifestent également la possible sortie du labyrinthe, à l'inverse des casiers grillagés de Mona Hatoum qui marquent plutôt sa dimension carcérale.


Michel François et François Curlet - Map of Metz (As it was broken): (courtesy Centre Pompidou)

Pour qu'une exposition soit réussie, sa mise en espace doit l'être aussi et c'est pleinement le cas ici avec une magnifique scénographie au rez-de-chaussée (qui réutilise, en vérité, une bonne partie de celle imaginée pour Chefs-d'œuvre ?, la précédente exposition collective du Centre Pompidou-Metz). Tout en recoins et enfilades de cimaises, elle plonge le spectateur lui-même dans un labyrinthe dans lequel chaque espace est utilisé puisqu'un collectif a placé des cartes postales de labyrinthes célèbres dans les interstices entre deux cloisons. De même, afin de profiter au mieux de l'architecture du bâtiment et des baies vitrées donnant sur la ville qu'offre chacune des galeries, Michel François et François Curlet ont orné le panoramique du premier étage de lignes brisées noires représentant un plan schématique de la capitale mosellane, visible alors dans une double profondeur enthousiasmante.

Palestine : la création dans tous ses états

François Bousquet — 2009-08-28T08:39:12Z

Plus de dix ans après une première exposition, l'Institut du Monde Arabe propose à nouveau un focus sur la création contemporaine palestinienne. Majoritairement féminine et ouverte à tous les media (installation, peinture, photographie, vidéo), celle-ci se veut évidemment très politique sur le fond. Ainsi, quasiment aucun des dix-neuf artistes présentés n'élude cette dimension, à tel point qu'on en vient à se demander si tous les artistes palestiniens se préoccupent effectivement de cette question (ce qui serait compréhensible eu égard à la situation de leur pays) ou si les artistes et œuvres ont été sélectionnés par la commissaire Mona Khasindar parce qu'ils s'intéressaient précisément à ces sujets.


Larissa Sansour - photogramme de A Space Exodus

Si la première hypothèse est probablement la plus logique et la plus légitime, elle conduit également à envisager les différents points de vue retenus par les plasticiens ici exposés. À cet égard, le traitement décalé du conflit et de ses conséquences sur les individus se fait plus fort et plus poignant qu'une approche plus littérale. De fait, on sera plus sensible à A Space Exodus, vidéo de Larissa Sansour où, dans un pastiche de 2001, l'Odyssée de l'Espace, la jeune femme alunit pour y planter le drapeau palestinien, qu'aux témoignages de femmes filmées face caméra par Sandi Hilal ; plus marqué par les deux œuvres de Rana Bishara (l'installation Hommage to Childhood, ballons de baudruche dans lesquels des photos d'enfants palestiniens ont été mises et pouvant éclater à tout moment contre l'un des cercles de barbelé pendus au plafond de la salle et la sculpture Kuffiyah for Prisoners, keffieh réalisé à l'aide des bracelets en plastique maintenant captifs les prisonniers) que par la tente de réfugiés d'Emily Jacir sur laquelle ont été brodés les noms des villages détruits par l'armée israélienne. De même, la série In Exile de Steve Sabella, photomontages alignant des façades façon mosaïque, en dit presque davantage sur l'environnement urbain que les Miradors capturés par Taysir Batniji dans la solitude de leur majesté et la vidéo Chic Point de Sherif Waked (simili défilé de mode où les habits des modèles sont déchirés, comme pour mieux laisser les soldats israéliens les fouiller) témoigne plus énergiquement du quotidien que Les Enfants du Feu de Mohammed Al-Hawajri.


Steve Sabella - In Exile

Alors que plusieurs artistes sont exilés depuis leur enfance ou leurs années d'études, ils demeurent fortement attachés à leur terre et à sa situation géo-politique, si bien que certains reviennent, une fois diplômés et exposés à l'étranger, vivre en Palestine et continuent de militer pour la reconnaissance de leur État. Une nouvelle fois, l'approche non frontale se fait la plus convaincante avec l'installation United States of Palestine Airlines de Khalil Rabah (revenu s'installer à Ramallah), salle d'attente d'aéroport et avion floqué aux couleurs d'une compagnie imaginaire, tandis que Mona Hatoum (restée pour sa part à Londres) se fait moins pertinente avec son tapis persan sur lequel apparaît une carte du monde respectant la projection de Peters. Pour finir, on soulignera les compositions très abouties des séries photographiques de Jumana Abboud (Tables, ensemble présentant les étalages à la sauvette des marchands du souk) et de Rula Halawani (The Wall pris dans un noir et blanc pas loin du fantastique).


Rula Halawani - The Wall

Le Travail de Rivière

François Bousquet — 2009-03-22T11:23:32Z

Directrice avisée du Crédac, Claire Le Restif a choisi de présenter, en une exposition collective joliment intitulée Le Travail de Rivière, une cinquantaine d'artistes dont elle a été marquée par les œuvres. Cette opération sur la mémoire nous permet ainsi de retrouver plusieurs plasticiens appréciés de ces pages (voire des œuvres déjà évoquées ici) et de nous plonger nous aussi dans les méandres de nos souvenirs, au gré des différents matériaux utilisés par les artistes.

Si fil de fer (création aérienne de Stéphane Calais), glaise (bassin retenant l'eau de Giuseppe Gabellone), bois (vidéo où Virginie Yassef et Julien Prévieux dévorent une large branche à pleine dents), polystyrène (planche de Gyan Panchal), plâtre (petites sculptures de Didier Marcel), cuivre (grande plaque de Laurent Pariente) et terre cuite (sculpture de Liliana Moro, témoignage d'une performance dans laquelle elle se tenait dans une sorte de jarre) sont employés, c'est la pierre qui revient le plus souvent. La minéralité de cet élément se retrouve au centre des photographies de Raphaël Zarka, du faux miroir de Vincent Beaurin, du souvent vu rocher agrémenté de plaques de cuivre de Tatiana Trouvé ou du transistor constitué d'un bout de parpaing d'Isa Genzken. Mais ce caractère brut peut également se trouver modifié par le passage de l'homme, les œuvres se faisant alors la manifestation d'une transformation pas toujours positive : du polissage d'une pierre (La Pierre du Jardinier de Katinka Bock) à la pose d'une sculpture de bois sur un arbre (Hiatus de Mircea Cantor) en passant par le sac plastique qui pollue le paysage et se retrouve accroché à une fourche (Walking Without Dersou d'Alain Huck).


Isa Melsheimer - Geliehene Landschaften: (courtesy collection Gilles et Marie-Françoise Fuchs)

Le travail sur la mémoire se traduit aussi par des restes d'esquisses préparatoires de Jimmie Durham ou le très poétique + and - de Mona Hatoum : ce cadran rempli de sable dans lequel une pâle du mécanisme trace des sillons que l'autre efface aussitôt indique bien que la mémoire de chacun constitue la seule trace possible. Certains artistes font le choix de tromper la mémoire, de construire de fausses pistes, à l'image des paysages d'Isabelle Cornaro, en vérité composés de bijoux, ou de la tête de Yan-Pei Ming qui hésite entre vestige archéologique et évocation révérencieuse du Grand Timonier. Le travail de mémoire peut enfin s'apparenter à celui du deuil (les tombes enfouies dans le sable malien et prises en photo par Gabriel Orozco ou les cendres mises sous verre de Claudio Parmiggiani) ou, plus largement, tourner autour de la disparition. Un éléphant naturalisé voit ainsi son empreinte reproduite par Jean-Luc Vilmouth tandis qu'Isa Melsheimer rend compte de l'évaporation d'un océan avec son assortiment de verre brisé représentant les crêtes d'une montagne.