EtherREAL - Magazine de musiques actuelles - électroniques, expérimentales - et de pratiques artistiques contemporaines

Correspondances

François Bousquet — 2013-05-04T18:20:16Z

Il y a quelques semaines, ces pages évoquaient L'Apparition des Images, proposition qui partait de l'idée qu'à l'époque où la photographie numérique semble monopolistique, la photographie argentique continue de fasciner. On pourrait reprendre ce schéma pour Correspondances, exposition collective programmée par l'Espace culturel Louis Vuitton et attachée au mail art, cette mouvance née dans les années 1950 qui perdure encore aujourd'hui, nonobstant la dématérialisation des échanges (courriels, SMS, tweets…).


Eleanor Antin - 100 Boots in the Market: (courtesy Ronald Feldman Fine Arts, New York)

Le mail art consiste en l'utilisation du courrier postal, des enveloppes, des timbres et flammes comme support artistique, voire comme composante même de la création. Apportant une large dimension participative puisque l'expéditeur, comme le destinataire, font partie intégrante de l'œuvre (mécanisme qu'éprouve, par exemple, Vittorio Santoro quand il demande à plusieurs connaissances de lui envoyer une lettre avec la simple phrase « Silence Destroys Consequences » écrite à la main), ce dispositif permet également aux plasticiens de s'extraire des contraintes lourdes de production afin de proposer des œuvres plus légères dans leur conception. Ainsi en est-il du travail de Roy Johnson, pionnier du genre, dont sont présentées plusieurs dizaines de courriers envoyés à des amis et sur lesquels il avait réalisé dessins ou collages. De même, Jan Dibbets et Alighiero Boetti ont envoyé, pendant un séjour respectivement au Canada et en Afghanistan, plusieurs lettres ou cartes postales, ici exposées, tandis qu'Eleanor Antin se sert de cartes postales pour diffuser les photos drolatiques de sa série 100 Boots (natures mortes dans lesquelles 50 paires de bottes sont mises en situation : à l'usine, à la campagne, dans un parc…).


Walead Beshty - Fedex Sculptures (extrait): (courtesy Wallspace Gallery, New York)

Parfois, à l'inverse, la dimension postale prend une tournure beaucoup plus massive comme lorsque Walead Beshty fait expédier vers le lieu d'exposition des cubes de cuivre poli, sans les envelopper, ni les protéger ; arrivant revêtus des autocollants et tampons postaux, ils sont également soumis aux aléas du transport (choc, rayures, etc…). Même volonté de saisir le résultat d'un envoi postal chez Eugenio Dittborn qui envoie ses grandes peintures dans des enveloppes, postulant que les marques de pliures forment un matériau créatif supplémentaire. Autre attachement au « para-postal » avec Guillaume Leblon qui reproduit des fragments de porte de maisons londoniennes, agrémentées chacune d'une fente pour permettre la distribution du courrier.

Enfin, dans une démarche plus littéraire, Danh Võ a demandé à son père de réécrire la dernière lettre d'un missionnaire français vivant au Vietnam et condamné à mort, pendant que Clarisse Hahn mêle images filmées du désert mexicain et correspondance postale avec Thomas Clerc, directement projetée, tels des sous-titres, sur sa vidéo.

Retour à l'intime

François Bousquet — 2013-01-10T20:49:49Z

Les présentations régulières (et souvent automnales) de collections privées sont l'occasion pour la Maison Rouge de s'attacher à la scène artistique d'un pays donné. En effet, en bonne logique, les collectionneurs concernés font généralement montre d'un tropisme domestique (on se souvient des artistes mexicains dans la collection des Coppel) qui se trouve ici quelque peu exacerbé chez les Setari, couple d'Italiens installés à Paris depuis une dizaine d'années. Si l'ethno-centrisme de Giuliana et Tommaso Setari peut apparaître trop prononcé (près d'un artiste sur deux est Italien dans l'exposition), il permet cependant de tracer quelques lignes de force et de prendre en considération les thématiques de prédilection du couple.


Ettore Spalletti - Gruppo della Fonte: (courtesy G. et T. Setari)

Ainsi retrouve-t-on plusieurs références à la civilisation antique, romaine principalement, dans les œuvres de Marco Bagnoli, Gino De Dominicis, Bizhan Bassiri, Giulio Paolini, Jan Fabre et Ettore Spalletti, voire dans les petites interventions de Michelangelo Pistoletto à même le mur du patio de la Maison Rouge. Bordant l'Italie, la Mer Méditerranée irrigue également plusieurs pièces présentes dans la collection Setari, la couleur bleue se retrouvant, par exemple, dans les créations de Jan Vercruysse, Vettor Pisani ou Spalletti (notamment la magnifique grande installation Gruppo della Fonte dans laquelle il recrée, de manière minimaliste, la place du lavoir de son village). Au-delà de cette teinte chromatique, les images de quelques villes transalpines sont récurrentes : Capri chez Günther Förg, Naples chez Mimmo Jodice ou même les pigeons citadins dispersés par Maurizio Cattelan tout au long du parcours. Sur le plan esthétique, l'Italie a aussi vu naître un mouvement artistique, l'Arte Povera, présent dans l'exposition via les propositions d'Emilio Prini, Paolini, Luciano Fabro et surtout Alighero Boetti (avec un de ses tapis orné de motifs géométriques).


Michelangelo Pistoletto - Uomo col panchetto: (courtesy G. et T. Setari)

De ce panorama, on relève que les Setari font preuve d'une fidélité certaine, s'attachant très tôt à des artistes alors pas forcément aussi renommés qu'aujourd'hui (Gerhard Richter, dont une peinture de 1980 inaugura leur collection) et ne cédant pas aux sirènes du marché (aucune acquisition des stars de l'art contemporain que sont Jeff Koons, Peter Doig ou Damian Hirst). À l'inverse, ils préfèrent choisir des œuvres pouvant s'inscrire dans leur intérieur, à l'image d'un tableau miroir de Pistoletto, d'une installation-couloir de Pisani ou d'un petit canapé juché sur un haut socle de Paola Pivi.


Sol Lewitt - Asymmetrical Pyramid: (courtesy G. et T. Setari)

Pour autant, toutes les œuvres achetées par les Setari ne tournent pas qu'autour d'eux et de leur pays puisqu'on peut voir un taille-haies soclé de Bertrand Lavier, une composition photographique de Sophie Calle, une peinture murale façon nuancier pyramidal de Sol LeWitt, une balançoire détournée par Fabrice Hyber ou un arc de triomphe portatif de Jimmie Durham. Bien que minoritaires, ces pièces apportent un intéressant contrepoint au reste de l'exposition et à son italianité assumée.

Nul si découvert

François Bousquet — 2011-08-11T12:37:01Z

Stimulant point de départ que celui choisi par Guillaume Désanges pour clore sa série d'expositions curatées au sein du Plateau : Nul si découvert veut en effet s'attacher aux formes et matériaux qui disparaissent ou cessent d'exister s'ils sont mis au jour ou révélés à l'air libre. La part de mystère qui accompagne ces expériences se trouve ainsi scrupuleusement illustrée par Julien Loustau lorsqu'il projette la photographie d'un pilier d'une église éthiopienne sur lequel le passé et l'avenir du monde seraient gravés, et effacés à jamais si l'étoffe qui le recouvre était soulevée. De même, le film Roma de Federico Fellini retrace la disparition des fresques antiques lorsque les travaux du métro ont laissé pénétrer l'air extérieur dans les sous-sols sur lesquels elles étaient peintes.

Moins littéraux, d'autres plasticiens ont été sélectionnés par le commissaire car leurs œuvres avaient trait, de manière plus large, à ce qui est caché ou invisible. Éric Baudelaire a, par exemple, écrit aux Premiers ministres britanniques pour leur demander confirmation de l'existence de lettres adressées aux capitaines des sous-marins nucléaires anglais en cas d'attaque contre leur pays, Alighiero Boetti griffonne du papier marouflé au stylo bille en ne laissant que de grosses virgules en blanc, Ryan Gander crée une sculpture en forme de pilier de béton renfermant divers projets et documents et Rémy Zaugg écrit en lettres blanches sur fond blanc Quand fondra la neige où ira le blanc.

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Man Ray - L'Énigme d'Isidore Ducasse: (courtesy Marion Metyer Contemporain)

En outre, sans surprise, on retrouve quelques figures tutélaires : À bruit secret de Marcel Duchamp (cet objet composé de ficelle et plaques de laiton produisant un son inidentifié), L'Énigme d'Isidore Ducasse de Man Ray (cette forme recouverte d'une couverture de laine) ou une évocation des boîtes de Manzoni (ces fameux contenants recelant supposément les excréments de l'artistes) avec une photographie de Bernard Bazile, souvenir d'une performance au cours de laquelle l'une de ces boîtes avait été ouverte. Mais la levée du voile peut aussi conduire à s'apercevoir que les supports initiaux ont déjà disparus. C'est ce dont témoignent João Louro, avec sa série de faux photogrammes où seuls les sous-titres subsistent puisque l'image a été ôtée, comme Stephen Prina qui part de toiles de Manet pour réaliser des lithographies abstraites.

Pour pousser encore plus loin ces expériences, quelques artistes se mettent eux-mêmes en scène, à l'image de Bas Jan Ader avec son film I'm too sad to tell you dans lequel il pleure pendant trois minutes trente, Chris Burden qui relate sa tentative de disparition, le collectif Coop Himmelb(l)au qui s'enferme dans une bulle de plastique pour arpenter les rues de Bâle, Jiří Kovanda qui réalise une performance dont il ne peut être témoin ou Anna Maria Maiolino qui oscille dans ses vidéos et photos entre autodestruction et gros plans sur des parties du corps.

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Ann Veronica Janssens - Absence d'infini: (courtesy FRAC Pays-de-Loire)

Enfin, dans une passionnante logique minimaliste (même si d'aucuns pourraient estimer qu'elle fait un peu « petit malin »), trois créateurs s'avèrent particulièrement pertinents : Ceal Floyer projette un rai de lumière blanche au ras d'une porte, de façon à ce que l'on croie à un ailleurs illuminé de l'autre côté de la séparation, Dora García réalise l'installation The Locked Room (une porte qui ne s'ouvre pas donne sur une pièce dont on ne saura rien) et Ann Veronica Janssens confectionne un cube aux faces en miroirs, sauf que leur faces réfléchissantes sont orientées vers l'intérieur, dans un superbe effet de démultiplication qui nous reste extérieur.

Echoes

François Bousquet — 2011-04-04T19:32:36Z

Depuis quelque temps, il ne se passe pas une demi-saison sans qu'une exposition s'attache aux liens entre musique et arts plastiques, en prenant souvent comme point de départ le disque vinyle, plus à même d'être travaillé par les créateurs (taille de la pochette, brillance du noir, présence de l'étiquette centrale) que le CD. À son tour, le Centre culturel suisse rejoint cette mouvance avec Echoes, exposition collective qui, judicieusement, ne s'en tient pas qu'aux artistes helvètes, positionnement qui aurait assurément été trop réducteur.


Saâdane Afif - série Babel: (courtesy Galerie Michel Rein)

Comme on pouvait s'y attendre, le vinyle se trouve majoritairement à l'honneur et utilisé sous toutes ses facettes. Il peut ainsi servir de base aux micro-architectures de Saâdane Afif, d'élément central de la sculpture en mouvement de Su-Mei Tse, de composant d'une colonne faite précisément d'empilage de vinyles pour Christian Marclay ou être brisé par Francis Baudevin afin que sa découpe renvoie aux contours d'un pays imaginaire sur un atlas inventé. Mais un disque vinyle sert principalement à diffuser de la musique ou à l'évoquer, ce dont se souvient Thomas Bayrle quand il crée une « super-image » (Louis Armstrong semblant s'extraire des sillons), Dave Muller quand il prend en photo les tranches de ses LP favoris, comme autant de témoignages d'un pan de vie, ou lorsque Pierre Vadi réalise des ronds de résine aux motifs psychés.


Dewar et Gicquel - Plectrums: (courtesy Galerie Loevenbruck)

Précisément, codes et couleurs significatifs sont également utilisés, souvent pour les détourner dans une gentille ironie. John Armleder juxtapose ainsi Epiphone et peinture aux mêmes rayures oranges et noires, Francis Baudevin travaille à nouveau le rôle des logos et marques en s'en tenant aux quatre couleurs reggae tandis que Dewar et Gicquel agrandissent des médiators pour en faire des objets arts premiers. La transformation alors opérée trouve un écho dans la démarche d'autres plasticiens qui sont allés jusqu'à inventer eux-mêmes de nouveaux instruments. De la très belle baguette en verre de Vincent Kohler au double banjo d'Alighiero Boetti, des instruments en forme d'organes de Jim Shaw aux guitares cubistes de Valentin Carron, ce sont autant de créations décalées et, en apparence, inutilisables qui nous sont montrées. Dans deux mouvements opposés, Rainier Lericolais est parti d'un instrument à vent pour faire une suspension (Mobile) tandis que Michael Sailstorfer a confectionné une batterie avec les restes de carrosserie d'une voiture de police allemande (avec ses célèbres couleurs vert et blanc).


Michael Sailstorfer - Schlagzeug: (courtesy de l'artiste)

Medium de diffusion, instrument de musique, restait à s'arrêter sur la figure du musicien lui-même et notamment sur la manière dont les groupes s'affichent et se représentent. Hannes Schmid accroche deux grandes photos de Kraftwerk et Kiss, Christian Marclay réalise quatre fausses affiches de concert et Jeremy Deller des sérigraphies à base de noms propres pendant que Sandrine Pelletier glorifie l'espace scénique et Andreas Dobler une formation heavy-metal. Mais le risque d'icônisation et de déchéance ne sont jamais loin, comme nous le rappellent le Carl Cox statufié de Dewar & Gicquel, l'installation d'Allen Ruppersberg, les peintures de Dawn Mellor transperçant Morrissey ou défigurant Britney Spears et les panneaux lumineux d'Arnaud Maguet qui moquent les centaines d'enseignes Elvis jalonnant le Tennessee.


Isa Genzken - Weltempfänger: (courtesy de l'artiste)

Par rapport à toutes les autres expositions « musicales » vues ces dernières années, une chose nous a frappé au cours de notre visite : le caractère non sonore d'Echoes. Parti pris revendiqué par l'équipe curatoriale, ce choix permet probablement de se concentrer davantage sur les créations plastiques. De toute façon, on ne voit pas bien comment de la musique aurait pu être diffusée puisque ce ne sont pas les enceintes en béton de Dominique Blais, les petits transistors, eux aussi en béton, d'Isa Genzken ou les amplis capturés en photo par Philippe Gronon qui auraient pu beaucoup nous aider. Et pourtant, le bow-window du Centre culturel suisse se trouve éclaté par Hugues Reip comme si, malgré tout, l'impact sonore avait bien eu lieu.