EtherREAL - Magazine de musiques actuelles - électroniques, expérimentales - et de pratiques artistiques contemporaines

David Grubbs + Andrea Belfi + Stefano Pilia / Ela Orleans

François Bousquet — 2013-06-11T12:39:04Z

Initialement programmé au Point Éphémère, le plateau de ce soir avait été déplacé, quelques jours auparavant, à l'Espace B. Conséquence (ou cause ?) : une salle remplie à une petite moitié (une cinquantaine de personnes) par des gens ayant bravé le temps menaçant, l'interruption de la ligne 7 au-delà de la Gare de l'Est et la fin de week-end. Pour ouvrir les débats, Idiot Glee livra une sorte d'électro-pop sans grand intérêt, armé de deux claviers, se samplant en direct et lançant quelques boucles rythmiques. Obligé de se tordre pour tenir son micro de la main gauche, chanter et jouer de ses claviers des deux mains, James Friley pliait régulièrement sa grande silhouette mais ne nous convainquit pas pour autant.

Notre déplacement était, de toute façon, davantage motivé par le reste du plateau, et notamment la prestation d'Ela Orleans. Connue entre autres pour avoir partagé un LP avec Dirty Beaches, la Polonaise d'origine a multiplié les sorties ces trois dernières années et est déjà passée plusieurs fois à Paris. Pour autant, c'était la première fois qu'on pouvait apprécier ses compositions nettement plus ambitieuses et sombres que celles d'Idiot Glee. Assise derrière sa table et ses machines, recouverte de projections qui embrassaient la totalité de la scène de l'Espace B, la jeune femme offrit une grosse demi-heure de pièces marquées par une très forte réverbération sur sa voix. Inégal sur le premier titre, le mix se régla pour se faire plus harmonieux par la suite, permettant au chant d'être moins noyé sous les instruments et à sa pop torturée de prendre une belle ampleur. Jamais complètement macabres, bien que parés de tous les atours post-gothiques (ou slow-witch-house) imaginables, ses morceaux emplirent l'espace de la petite salle et ravirent les spectateurs.

C'est avec le souvenir mitigé d'une date aux Voûtes il y a deux ans, mais avec la conviction que l'union de trois musiciens attachants en solo pouvait déboucher sur quelque chose d'intéressant, qu'on s'apprêtait à appréhender le concert de David Grubbs, Stefano Pilia et Andrea Belfi. Tandis que les deux premiers étaient positionnés en front de scène, guitares à la bandoulière, le troisième était assis derrière sa batterie, les trois compères proposant des titres majoritairement extraits de The Plain Where The Palace Stood, récemment publié chez Drag City. Cette actualité se ressentit favorablement puisqu'à la différence de leur prestation de 2011, il était évident que l'interaction entre les trois hommes était renforcée et l'impression de musiciens évoluant de manière hermétique balayée. Néanmoins, les deux Italiens portaient une grande attention à David Grubbs qui, du manche de sa guitare, les dirigeait pour indiquer la reprise d'un thème ou le passage à la coda d'un morceau. Alternant passages improvisés, titres quasi-math-rock et courtes pièces folk chantées, l'approche instrumentale variait à chaque fois, à l'image de celle de Stefano Pilia : guitare slappée, frappée à l'archet ou agrémentée d'un e-bow pour la première et deuxième veines, six-cordes grattée ou jouée en arpèges pour la dernière. De son côté, délaissant les incorporations électroniques qu'il avait pu développer aux Voûtes, Andrea Belfi passait des balais aux baguettes, frappait des petits gongs ou s'évertuait à structurer les interventions de ses deux acolytes. Il en résulta donc un ensemble nettement plus écrit et préparé, une belle harmonie entre ces trois hommes et un concert (certes un peu long, puisque dépassant les soixante minutes) beaucoup plus emballant.

Noveller

François Bousquet — 2013-06-05T12:03:32Z

Elle-même vidéaste, on ne fut pas surpris d'apprendre que deux dates de Sarah Lipstate étaient programmées dans une galerie d'art contemporain parisienne : un petit showcase le jour du vernissage de l'exposition de photographies de Justin James King et un véritable concert le lendemain. Toujours intéressé par la musique de Noveller, on prit place, aux côtés d'une vingtaine de personnes, dans le petit espace de la Brachfeld Gallery, rue des Archives, pour retrouver la New-Yorkaise, sa guitare électrique et ses pédales d'effets.

Afin de se renouveler, sept mois après son dernier passage dans la capitale, la musicienne consacra la première moitié de son set à des nouveaux morceaux, probablement appelés à constituer son nouvel album qu'elle annonça venir de terminer. Pas encore familiers de ces titres, ils nous parurent résulter de procédés assez semblables : note jouée au médiator, appui sur la pédale de gain pour la faire apparaître en crescendo, empilement des sons ainsi créés et enfin adjonction d'une nappe générée par un jeu à l'archet. Afin d'apporter un peu de différence, une rythmique sombre et dense agrémentait parfois l'arrière-plan mais, dans l'ensemble, ces morceaux firent montre d'une gestion pas toujours optimum de leur durée : ceux qui étaient trop homogènes avaient tendance à s'éterniser tandis que ceux qui dévoilaient davantage de richesse s'arrêtaient trop rapidement.

Pour la seconde moitié du concert, Noveller livra des titres extraits de son répertoire : Ends, Entering et Almost Alright. Jeu en finger-picking, présence d'arpèges, utilisation d'un bottleneck puis d'un e-bow permirent à la jeune femme de diversifier alors davantage son propos tout en conservant cette capacité à échafauder une ambient particulièrement enveloppante et en très bonne adéquation avec les créations de Justin James King (constellations stylisées, nuages de points en noir et blanc, paysages numérisés) qui ornaient les murs de la galerie.

Sin Fang / Pascal Pinon

François Bousquet — 2013-06-03T09:54:56Z

Double affiche Islandaise au Café de la Danse pour l'étape parisienne de la tournée de deux signatures Morr Music qui sillonnent l'Europe pour une vingtaine de dates. Dans une salle peu remplie au départ mais qui accueillit davantage de spectateurs au fur et à mesure du déroulement de la soirée, nous pûmes assister aux concerts d'artistes dont nous suivons les parutions avec plus ou moins de bonheur, bien que présentant le point commun de nous séduire de plus en plus à chaque nouvel album.

Placées en font de scène, Jófríður Ákadóttir et Ásthildur Ákadóttir se présentèrent vers 20h, pas si timides que cela nonobstant leur jeune âge (dix-huit ans tout juste, apparemment). Une demi-heure de prestation leur permit de présenter une dizaine de ballades folk, l'une à la guitare (électrique ou acoustique) et au chant, et l'autre à la seconde guitare ou au clavier. Mignonnes et délicates, leurs compositions se firent surtout opérantes quand elles étaient chantées en islandais ou en suédois (Fernando). Interprétées en anglais, les chansons de Pascal Pinon ne s'extirpaient, en effet, pas suffisamment du tout-venant en la matière, allant même jusqu'à exposer trop ouvertement leurs limites : mélodies légèrement plates, absence d'affirmation dans le timbre, caractère un peu pauvre des instrumentations, notamment le clavier, dont la sonorisation interrogea (pourquoi ne pas l'avoir directement relié à une enceinte plutôt que le repiquer avec un micro ?). Pour autant, le public écouta l'ensemble sans déplaisir, probablement touché par la sincérité et la disponibilité des jumelles, expliquant (trop ?) largement l'historique de chaque chanson avant de la jouer.

Le temps de débarrasser le plateau des affaires des sœurs Ákadóttir et Sin Fang put prendre place, entouré de quatre camarades pour une heure de set dont on retiendra principalement le dernier tiers (rappels compris). En effet, la dizaine de morceaux constituant les deux premiers tiers du concert nous parut rapidement redondante, répétant les mêmes formules (trop de chœurs en « wow-ouh-wow-ouh-wow-ouh », trop d'instrumentations similaires) et faisant surtout montre d'une profusion d'ensemble (batterie jouée martialement par Magnús Trygvason Eliassen, guitare aux relents country ou funk, mix inégal poussant les instruments et laissant la voix de Sindri Már Sigfússon très en retrait) qui avait tendance à gommer les singularités de chaque titre pour homogénéiser le tout. Au reste, le chanteur le reconnut en creux, avouant se perdre lui-même dans la setlist (égarée lors d'un précédent concert) et mélangeant des morceaux aux intitulés proches (Always Everything et Everyhting Alright).

À l'inverse, quand furent abordés Young Boys et What's Wrong With Your Eyes pour finir le set principal, on apprécia le changement de tonalité : rythmique impulsée par plusieurs sistres pour le premier, énergie bien contenue et euphorisante pour le second. Plus encore, quand, pour le rappel, Sindri aborda deux titres au piano (en solo puis accompagné au cor) avant d'être rejoint par ses quatre compères pour le final, on savoura la palette ainsi présentée. Si l'idée était de nous faire quitter le Café de la Danse avec un souvenir plutôt agréable en tête, l'agencement du set se montra donc parfait.

Ólafur Arnalds / Greg Haines

François Bousquet — 2013-05-22T12:16:49Z

Un Divan du Monde loin d'être rempli pour le premier, des Instants Chavirés occupés par une trentaine de personnes pour le second : les dernières venues respectives en Île-de-France d'Ólafur Arnalds et de Greg Haines (si l'on excepte une première partie de Cat Power pour l'Islandais) n'avaient pas forcément attiré la foule. Cinq ans ont passé depuis et, de toute évidence, leur notoriété (en tous cas celle d'Arnalds) a augmenté de manière exponentielle, à en croire l'impressionnante file d'attente devant le Café de la Danse et le caractère subséquemment très rempli de la salle du XIe arrondissement (fosse pleine de gens assis sur des coussins, marches occupées, personnes debout sur les côtés).


Affiche de la tournée de Greg Haines

Pour notre part, entre le souvenir des bonnes prestations déjà citées et la connaissance des disques des deux musiciens, nous venions autant pour l'un que pour l'autre, avec peut-être un intérêt supplémentaire pour Greg Haines, ne sachant pas très bien quelle direction musicale le Britannique allait privilégier en cette soirée. Installé côté jardin, assis derrière un piano à queue, il débuta autour de 20h… ou plutôt la musique débuta avant lui puisque les nappes de synthé constituant son morceau d'ouverture furent lancées avant qu'il n'entre sur scène. Ceci fait, il put introduire le piano solo pour quelques morceaux, dans une approche néo-classique peu surprenante (travail sur la répétition du même thème mélodique, accords graves appuyés) qu'il sut néanmoins faire alterner avec des titres purement électroniques, s'appuyant alors sur un clavier-séquenceur. D'autres pièces furent même l'occasion de mélanger ces deux veines, lançant les boucles de la main gauche et attaquant le piano de la main droite, flirtant avec des tentations jazz (via l'aspect syncopé du jeu du piano) ou des rivages plus dub (écho sur les rythmiques).

Ce croisement connut son paroxysme dans deux morceaux très rythmés avec accumulation de pulsations métronomiques, introduction de mélodies provenant du piano, adjonction de percussions sèches (sistre à manche, cloche) ou d'un mélodica (bien que ce dernier ne se fît que peu entendre). Entraînants et dansants, ces deux titres, séparés par une pièce moins engageante nous firent alors regretter la configuration assise du Café de la Danse, bercés par ces compositions et tentés que nous étions par quelques mouvements corporels. Afin de souligner encore cette accointance « club », lumières et pyrotechnies étaient convoquées, dans une proposition très souvent vue dans cette salle mais qui fait toujours son effet : forts projecteurs blancs et machine à fumée disposés en fond de scène, diffusant leurs émanations en direction du public et permettant à la silhouette du musicien de se découper dans le faisceau, au milieu du panache de fumée. Un autre rédacteur de ces pages affirma, au bout de ces quarante minutes de set, avoir vu là son meilleur concert de l'année 2013 ; il y avait certainement du vrai.

' type="image/jpeg">
Affiche de la tournée d'Ólafur Arnalds

Attendu donc par une grande majorité du public, Ólafur Arnalds prit place, accompagné par un quatuor à cordes et un cinquième comparse, en charge principalement de l'électronique. Avant l'arrivée de ces cinq associés, il présenta son iPad, dénommé « Steve Jobs » et sollicita les spectateurs pour chanter un « la », enregistré sur sa tablette et utilisé comme tapis sonore. Échange avec la salle, volonté d'aller vers le public, mélange d'électronique et d'instrument réel : les ingrédients de l'intégralité du concert étaient posés dès ce morceau d'ouverture. L'ensemble se déroula alors selon ce programme, l'Islandais n'hésitant pas à prendre régulièrement la parole, annonçant chaque titre ou presque, racontant une anecdote ou l'historique de telle composition. Rejoint par les cinq autres musiciens, ils purent livrer une suite de titres dans lesquels l'intégration de l'électronique nous parut perfectible, à la différence de l'interaction cordes-piano, particulièrement ajustée.

Au milieu du concert, une septième personne vint occuper le milieu du plateau : l'Islandais Arnór Dan. Nouveauté de For Now I Am Winter, la présence d'un chanteur fut ainsi mise en majesté, d'autant plus que les vidéos projetées sur le grand mur de pierre du Café de la Danse soulignaient sa présence grâce à une Kinect permettant de saisir ses mouvements et de reproduire sa silhouette, constellée de points lumineux, sur le mur. Malheureusement, cet apport vocal s'avéra démonstratif et maniéré, nous faisant espérer un prompt retour des titres instrumentaux. Le rappel nous combla : débuté par un piano solo, Poland accueillit ensuite les cordes, mais de manière aveugle puisque les instrumentistes étaient restés dans les loges, quittèrent celles-ci par le couloir arrière et empruntèrent le passage derrière les gradins. Le subtil jeu de piste sur la provenance du son qui en résulta vint conclure de manière un rien malicieuse la soirée.

Luciano Maggiore / Dominic Lash / Alessandro Bosetti

François Bousquet — 2013-05-21T12:50:01Z


Luciano Maggiore

Premier des trois artistes solo programmés ce soir à KOBE, Luciano Maggiore mit à profit tout son matériel (petite table de mixage aux multiples potentiomètres, quatre discmans, deux walkmans et leurs CD et cassettes afférents) pour délivrer un set d'électro-acoustique typique. Minimalisme des glitchs, absence de véritable nappe d'arrière-plan et aspect presqu'évocateur des composantes utilisées : on pouvait ainsi imaginer ici un grincement de porte ou bien là des bruits d'eau gargouillante. Marquée par une légère montée en puissance, opérant cependant dans un volume contenu, sa prestation sembla convaincre la douzaine de personnes présente dans l'espace ivryen.

Debout aux côtés de son instrument, Dominic Lash livra une demi-heure d'improvisation à la contrebasse, jouant à l'archet de part et d'autre du chevalet, explorant alors le large champ des possibles, allant jusqu'à frapper l'archet sur les cordes ou à frotter celui-ci sur le bois-même. Entre jeu expérimental et approche plus ample, travail mélodique et aspect plus percussif, l'Anglais sut ainsi utiliser tout le grand éventail qu'offrent la contrebasse et son caractère forcément impressionnant.

Pour terminer, Alessandro Bosetti donna une nouvelle variation de son Mask Mirror, dont ces pages avaient pu vanter les mérites lors du festival Présences Électronique 2012. Assis derrière son clavier-séquenceur, l'Italien combina interventions parlées en direct et samples, conduisant à un mélange de l'anglais et de sa langue natale, de mots et d'onomatopées, le tout narrant le récit décalé d'un apéritif à Prague avec des amis. Entre performance expérimentale et concert, sa prestation le vit aussi mêler grésillements et larsens lancés de son appareil à un sifflement émanant de sa propre bouche, poursuivant donc sur cette veine drolatique.

Low / Mire Kay

François Bousquet — 2013-05-17T08:42:34Z

Tandis que nous avions un peu hésité avant d'aller voir Low à la Gaîté Lyrique il y a un an et demi et bien que le dernier album en date du groupe ne nous ait pas complètement convaincus, c'est sans atermoiement aucun que nous nous rendîmes à la Maroquinerie, En effet, l'emballement à l'issue de leur long concert de la fin 2011, le retour de la formation du Minnesota dans un lieu qui leur est cher (leur seul live officiel y a été enregistré) et la présence de Mire Kay en première partie constituèrent autant d'arguments pour que l'on prenne le chemin de la salle quasi-complète (et qui avait, fort heureusement, réussi à faire fonctionner ses climatisation et ventilation).

Formé sur les brisées d'Audrey (ce quatuor suédois dont nous avions tressé des louanges au milieu des années 2000 mais qui s'est sabordé depuis), Mire Kay permit de retrouver Victoria Skoglund à la guitare et Emelie Molin au violoncelle, soit deux des quatre membres d'Audrey. Musicalement, c'est donc sans surprise qu'on aboutit à un résultat assez proche (sortes de ballades slow-folk) même si la configuration de cette tournée, avec la présence des deux seuls instruments précités, conduisit à un ensemble plus pauvre que sur disque. Sans batterie, ni clavier, ni basse, ni seconde guitare, le dépouillement induit amena à être davantage attentif aux limites du duo : rythmique de la main droite de Victoria un peu répétitive, présence d'Emelie un rien trop discrète (qu'elle jouait en pizzicati ou à l'archet), compositions quasi-similaires. Demeurèrent néanmoins leurs timbres particuliers et leur capacité à les marier dans de belles harmonies vocales qui tendirent un pont vers le groupe opérant en tête d'affiche.

De fait, on le répète à chaque recension d'un concert de Low, la manière qu'ont Alan Sparhawk et Mimi Parker d'unir leurs voix, d'opérer l'un au chant, l'autre au contrechant (Canada) ou de s'occuper des vocalises quand l'autre se charge du chant principal constitue bien l'un des points forts du trio états-unien. Au sein d'un set dans lequel on put saluer une forme d'habileté à ne livrer aucun de ses récents « tubes » (ni Hatchet, ni Just Make It Stop), Low se fit probablement plus pertinent quand Mimi officiait au chant principal (So Blue, Especially Me, In Metal). Depuis quelques années, le couple est accompagné par Steve Garrington au clavier, mais surtout à la basse, dont les slides purent embellir Murderer et Sunflower, magnifiquement enchaînés dans une seconde moitié de set globalement plus concluante que la première.

Alors qu'à la Gaîté Lyrique, on avait pu stigmatiser quelques difficultés dans la mise en place de chaque morceau, on remarqua, cette fois-ci, un soin tout spécifique apporté aux introductions, avec quelques accords de clavier et interventions en nappes de la guitare d'Alan, propres à créer un tapis pouvant ensuite accueillir mélodies et chant (On My Own). Ne reniant pour autant pas ses titres plus enlevés (Monkey, Canada), le groupe sut en donner des versions plus sombres, comme trempées dans la suie, avant de terminer son concert, sans toutefois l'habituel appel aux demandes du public, par le formidable Last Snowstorm Of The Year et le profond I Hear… Goodnight.

Alva Noto / Le Cabaret Contemporain

François Bousquet — 2013-05-16T09:39:49Z

Très présent sur ces pages (il s'agit de la huitième recension d'un de ses concerts solos donnés ces dix dernières années, sans compter ses prestations en collaboration avec d'autres musiciens), Alva Noto passait à nouveau par Paris, optant cette fois-ci pour la Machine du Moulin Rouge. Fort bien remplie en ce début mai, la salle de Pigalle avait programmé, en ouverture de soirée, le Cabaret Contemporain pour son « Terry Riley Project », revisitation des pièces du compositeur états-unien effectuée en compagnie de Château Flight.

C'est donc peu après 21h que les sept musiciens s'installèrent sur scène, Gilb'r et I:Cube étant debout au fond, derrière une table où étaient disposées leurs machines, tandis que le quintet formant Le Cabaret Contemporain formait un arc de cercle à l'avant-scène. Deux contrebasses, un piano, une batterie et une guitare composent cet ensemble, chaque instrument étant mis à contribution pour créer des morceaux inspirés des créations de Terry Riley et agrémentées, donc, d'ajouts électroniques. Il en résulta une rencontre entre musique concrète et inflexions plus dansantes, marquée par une belle interaction globale entre instruments et électroniques, poussant petit à petit la chose vers des rivages plus club.

Néanmoins, on dut déplorer un mix assez brouillon (homogénéisant si l'on adopte un point de vue plus empathique) conduisant les contrebasses et le piano à ne s'entendre, la moitié du temps, que pour leur aspect percussif : archet frappant les cordes, poings tapant les touches, cordes de contrebasses slappées ou étouffées avec la main gauche, cordes du piano préparé pincées, etc… Quant à la guitare, elle se faisait la plupart du temps inaudible, sauf pour quelques accords pincés aux consonances psyché. Naturellement, le style appelait un étirement sur la longueur (travail sur la répétition, forme de sérialité musicale) mais un set d'une heure nous parut un rien trop ambitieux, a fortiori quand d'autres concerts sont programmés ensuite.

Paru il y a un an et demi, Univrs sert de support aux prestations actuelles d'Alva Noto, l'Allemand donnant une traduction scénique de son album comme il avait pu le faire précédemment avec Xerrox ou Unitxt. Cohérente avec son parcours et sa discographie, cette démarche génère toutefois un aspect trop programmatique de ses concerts, notamment dans l'utilisation des visuels : reprise de la charte graphique de cet album, façon circuit imprimé ou mapping de réseau avec vision d'ensemble pour le premier titre puis zoom sur chaque composant par la suite. Musicalement également, peu de surprises avec ce traditionnel mélange de hautes fréquences, de claquements sonores, de micro-larsens et de rythmiques minimalistes et métronomiques. Demeurant quand même impressionnante, la performance de Carsten Nicolai put également saisir les auditeurs en ayant recours à des éléments plus abrasifs ou en basculant soudainement dans quelques secondes arythmiques, uniquement portées par un son type modem 56k qui se connecte, avant de repartir de plus belle tandis que les flashes aveuglant crépitèrent derrière lui.

Oiseaux-Tempête / Temps Zéro

François Bousquet — 2013-05-15T08:35:58Z

Portés sur l'exploration de formes exigeantes et aventureuses, les Rendez-vous contemporains régulièrement proposé par l'Église Saint-Merry proposaient, en ce vendredi soir balayé par la pluie et le froid tombés rapidement sur la capitale, un double plateau musical et visuel. La soirée débuta par un court-métrage de Lorenzo Castore et Adam Cohen, portrait d'Ewa et Piotr, sœur et frère du troisième âge, vivant ensemble dans le même appartement de Cracovie. À la place du son du film, Christian Fennesz avait été convié à proposer un accompagnement, enregistrement qui nous convainquit nettement plus que No Peace Without War lui-même, court-métrage assez peu probant car trop convenu dans sa description d'un quotidien difficile.

Nouveau projet du très actif Frédéric D. Oberland, Oiseaux-Tempête voit le Français opérer à la guitare, aux côtés du fidèle Stéphane Pigneul, dévolu à la basse, et de Ben McConnell à la batterie et autres percussions. Avec ce trio, c'est sa veine post-rock contemplative qu'Oberland poursuit, choisissant de mettre en symbiose compositions musicales et travail visuel. Sous cet aspect, les vidéos de Stéphane C. étaient diffusées derrière les trois musiciens placés dans le chœur de l'église : suites de petites saynètes à la fois narratives et décalées, elles pouvaient néanmoins donner l'impression d'une désynchronisation pas très heureuse avec la musique. Partant, c'est sur cette dernière qu'on préféra se concentrer, appréciant les longs instrumentaux, savourant la vigueur épisodique du jeu de batterie ou la participation d'un grand Glockenspiel, goûtant la participation, dans la seconde moitié du concert, de Gareth Davis, venu donner une couleur plus free à l'ensemble grâce à sa clarinette basse.

Précisément, c'est le musicien anglais qui, après un entracte, officia aux côtés d'Éric Chenaux pour une séance d'improvisation dénommée Temps Zéro. Tandis que déroulaient des diaporamas de quelques épreuves d'une vingtaine de photographes, le Canadien et l'Anglais distillaient des interventions tout à fait dans la logique de ce qu'on peut attendre d'un tel schéma. Sans véritable lien, les images défilaient et les musiciens jouaient dans ce qui apparut alors comme relevant probablement davantage du dispositif. Alternant jeu free ou plus plaintif, Gareth Davis sut quand même nous toucher par cette modulation de son instrument alors qu'Éric Chenaux, dont on avait pu écouter avec satisfaction ses premiers disques sur Constellation, laissait aller sa guitare dans des contrées plus bluesées, à l'aide d'une pédale wah-wah, pour un résultat moins concluant.

Barn Owl / 2Kilos &More / Witxes

Manon Torres — 2013-04-30T18:09:11Z

Actuellement, l'Espace B n'est pas loin de pouvoir se revendiquer détenteur des meilleures programmations parisiennes. Il suffit de prendre comme indicateur leur quota de concerts d'artistes de chez Denovali sur ces derniers mois pour avoir une idée de la qualité de ces soirs, à passer planqués dans le 19ème. Ce mercredi ne déroge pas à la règle et propose une affiche composée de Barn Owl, 2Kilos &More et Witxes. Ce dernier, de son vrai nom Maxime Vavasseur, est l'auteur du spectral et très beau Sorcery/Geography, sorti en 2012, et un habitué des premières parties de Tim Hecker. C'est lui qui ouvre la danse, du moins celle des volutes et des vagues de drones. Parfois accompagné de cinq musiciens, ce soir le Lyonnais se produit seul.
Si l'introduction se cale sur un loop délicat auxquels il greffe un peu de son souffle, Witxes a tôt fait de changer de registre, propulsant un drone puissant, sur lequel vient se superposer une succession de nappes. Paradoxe que de percevoir des rafales épiques au cœur des bourdons. Mais Witxes insuffle à son live une dimension indus que l'on ne soupçonnait pas. Hormis peut-être sur Thirteen Emeralds, son album est davantage cousu de torsades instrumentales que décharges rugueuses. Un beat cyclique, noyant la salle dans un bruit de pale d'hélicoptère, poursuit la mise en tension entreprise par l'artiste, avant qu'il ne déchire la vapeur bourdonnante d'un silence ponctué de field-recordings et de légers claquements aquatiques. Si la qualité sonore de la salle laisse à désirer dès que l'on touche à ces genres musicaux– le son de sa guitare aura du mal à exister - la fin de la performance de Witxes parvient à s'élever au dessus de ce défaut. Alors qu'il commence par diluer un battement martial dans un océan de drones, les couches incorporent progressivement le mouvement, se mettent à dessiner la même secousse industrielle et on finit plaqué par un mur de noise. Alors l'homme coupe tout et puis s'en va.

Derrière leur tenture de tulle, sur laquelle se répercutent des visuels en noir et blanc, des bouts de Tarkovski ou d'étranges rubikub roses, 2Kilos &More s'installe. Face à face, Séverine Krouch et Hugues Villette entament leur litanie opiacée, tandis que le spoken word de l'absent Black Sifichi semble sortir d'un écran montrant sa bouche. Trop tôt hélas, les limites acoustiques de la salle se font sentir, criantes. A ce point-là, c'est bien la première fois. Le son de 2Kilos &More est boursoufflé d'échos et de vrombissements parasites. Sur la raide montée de On the juicest walk, le trou d'air d'ordinaire jouissif de l'enclenchement du rythme retombe comme un soufflé, tant les basses s'avèrent sous-mixées. Leur prestation au Point Fmr en novembre dernier avait condensé tant de groove hypnotique et malsain, que se manger ces étouffantes limites à de quoi rendre fou. Les deux de Von Magnet ne faiblissent pas pour autant et nous gratifient de beaux moments de frictions répétitives, grêlées de guitare et embrasées par le timbre lourd de Black Sifichi.

C'est au tour de Barn Owl de se mettre en place, dans toute leur solennité et leur dégaine de clones. Le poil noir, la chemise grise et la raie sur le côté, Jon Porras et Evan Caminiti, si semblables, entament le live qui répond à la sortie de V, leur sixième et vertigineux album. Les premières minutes laissent présager que les américains parviendront à gérer les défauts de la salle. Un canevas de drones se déploie, aspire l'esprit le long d'une irrépressible spirale et fait peu à peu basculer les corps. La musique de Barn Owl en live dévie de ce qu'elle donne sur disque, caressant des cimes plus tangibles, plus sculpturales, plus tendres aussi. Le deuxième morceau fonde cette impression, et laisse submergé, tenu en haleine par les montagnes ensablées de mélancolie que le duo déplace. Au cœur des vents cryptiques, s'élèvent soudain les pulsations d'un rythme flottant, conférant à l'atmosphère un romantisme aux couleurs de cendre. L'air a triplé d'épaisseur, et le public semble pris dans une transe sensible, muette et immobile. Barn Owl a livré un concert superbe, à mi-chemin entre une parenthèse cotonneuse et un corridor intergalactique. On en ressort engourdi.

Présences Electronique 2013 - Kazuyuki Kishino / Laurent Dailleau / Tomoko Sauvage

Fabrice Allard — 2013-04-22T13:50:17Z

Nous voici en deuxième journée du festival avec une affiche toujours aussi pointue mais aussi une belle brochette d'artistes que l'on croise régulièrement.


Kazuyuki Kishino

Le rendez-vous était pris pour 16h et le premier concert assuré par Kazuyuki Kishino, plus connu en tant que K.K. Null. Entre 2008 et 2011, le Japonais a travaillé sur Cryptozoon, une pièce de près de 3h, laissant une place importante aux field recordings. Il en présentait ce soir une nouvelle version concentrée sur un peu moins d'une heure et diffusée en quadriphonie.
D'abord conforme à ce que l'on pouvait en attendre, cette pièce débuta par de grosses déflagrations de basses électroniques. Et puis quelques minutes plus tard ce sont des cris d'oiseaux et autres bruits naturels, tirés d'enregistrements d'ambiance qui prennent le relai, rapidement suivis par des rythmiques et arpèges électroniques, répétitives et minimalistes, simples, belles et efficaces, comme ces pulsations d'infrabasses technoïdes.
Durant un peu moins d'une heure, le Japonais n'arrêtera pas de reproduire ce type d'alternance entre field recordings, électronique abstraite, limite bruitiste, et compositions mécaniques, échafaudant une pièce à la fois vivante et mécanique. Finalement pas une très grosse surprise (dans la mesure où l'on connaissait déjà le travail de K.K. Null), mais un très bon concert.


Tomoko Sauvage

Une heure plus tard, on retourne dans la salle 400 pour la séance de 18h en commençant par Tomoko Sauvage. C'est la troisième fois qu'on la voyait en concert, avec notamment une récente prestation à l'Institut Finlandais. Beaucoup de monde déjà dans la salle 400 lors de notre arrivée, et on se retrouvera assez loin derrière la Japonaise, nous privant du spectacle de ses manipulations aquatiques.
On se "contentera" donc de sa musique qu'elle compose au gré des gouttes d'eau qui tombe dans ses bols de porcelaine. Sa console de mixage lui permet de sélectionner les bols qu'elle veut, débutant uniquement par le plus grave, répétitif, créant un tempo mécanique. Petit à petit les autres bols apparaissent, commençant à esquisser des mélodies incitant à la contemplation. Tomoko Sauvage joue alors avec l'eau qu'elle fait onduler afin de créer un effet de vibrato, ou qu'elle transvase d'un bol à l'autre.
On perdra ensuite un peu le fil. Alors que les éléments se multiplient, la musique nous parait plus abstraite et le fait de ne pas voir la musicienne jouer nous empêchera de faire la connexion entre le geste et les sons. On reconnaitra par contre la dernière séquence lors de laquelle Tomoko Sauvage ajoute de l'eau gazeuse à ses bols, apportant quelques grésillement à une musique jusque là parfaitement limpide.
Une performance dans la lignée des précédents concerts de cette artiste, une qualité sonore inédite, mais un concert en aveugle qui nous fit perdre une partie du spectacle.

Lors de la même séance, on enchaîne rapidement avec Laurent Dailleau, connu en tant que joueur de theremin, notamment croisé au sein de S.S.S. aux côtés de Cécile Babiole et Atau Tanaka.
Il est ce soir à l'orgue pour une prestation pour le moins étonnante. Tout doucement s'élève une texture grésillante, un grondement de basses incessant. Incessant au point de rester présent lors des 25 minutes que dura ce concert. Difficile de percevoir le moindre changement, mis à part quelques variations d'intensité. Une œuvre conceptuelle dont on passera complètement à côté !