EtherREAL - Magazine

Micro Festival : Efterklang / Kelpe / Action Beat / Panico / Black Diamond Heavies

Gilles Genicot — 2010-08-09T13:44:13Z

Le collectif liégeois Jaune Orange, actif dans l'organisation de concerts rock indé depuis une dizaine d'années, réalise enfin un vieux rêve : programmer son propre festival. Une rencontre à taille très humaine, en plein coeur de la cité ardente, où tout ce que celle-ci compte comme amateurs de musique s'est retrouvé dans une ambiance décontractée, autour d'une scène unique sur laquelle se sont succédé huit groupes témoignant d'une diversité de styles bienvenue.

Nous arrivons sur le coup de 17 heures, quelques minutes avant le début de la performance explosive d'Action Beat, réunion de potes de longue date qui n'aspire qu'à défendre vigoureusement sur scène leur premier opus paru l'an dernier, le bien nommé The Noise Band From Bletchley. C'est en effet de cette petite bourgade du nord de l'Angleterre (située juste au sud de Liverpool et Manchester) que provient ce groupe surprenant, composé ici de trois batteurs, quatre guitaristes et un bassiste. Parfois (trop) bruitiste, voire brouillon, mais incontestablement jouissif et communiquant à un public réceptif un enthousiasme rock de bon aloi, voici un set qui exprima pleinement la fougue d'une jeunesse complice qui n'aspire qu'à jouer, jouer encore et toujours. Leurs compos, exclusivement instrumentales, sont faites de riffs puissants noise-rock, lorgnant par moments presque vers une forme de punkabilly, pour ainsi dire. Evoquant l'exubérante scène no-wave new-yorkaise de la fin des années '70, transposée dans la grisaille du nord de l'Angleterre, voici une prestation ébouriffante et sympathique.

Pas grand chose à dire du groupe suivant, Black Diamond Heavies. Du bon gros (blues-)rock aux relents sudistes, brut de décoffrage, avec batterie nerveuse et - particularité - des guitares jouées aux claviers, par un chanteur à la voix rauque et à la présence animale. Cela semble plaire à d'autres oreilles que les nôtres, même si on a déjà entendu bien pire. Rien de nouveau dans la planète du pur rock, mais c'est exécuté avec conviction et sans concession.

Vient le moment attendu pour nous, les retrouvailles avec Kelpe, aka Kel McKeown, et son comparse batteur. Après Ex-Aquarium en 2008, suivi d'un album de remixes, le Londonien nous a gratifié l'an dernier de son troisième long-format, Cambio Wechsel. Fort logiquement, son set du jour a principalement tourné autour de ces deux opus ; il faut dire que l'inflexion prise par rapport au fabuleux premier album Sea Inside Body a conduit Kelpe sur le chemin d'une IDM hip hop s'éloignant quelque peu de l'electronica pure, comme on a déjà eu l'occasion de l'écrire ici. La proposition musicale convainc sans époustoufler : ça ne flamboie pas, nulle trace d'esbroufe ou d'effets faciles, juste - et c'est bien assez ! - une immédiate sincérité roborative, avec mélodies subtiles et non oppressantes, presque intuitives, et un travail soigné sur les chuintements opérant les transitions. Morceaux finement charpentés, allusifs, où les notes claires se marient judicieusement avec une batterie frappée fermement mais délicatement, qui offre un souffle organique sec, non appuyé, bienvenu. Ce sera aussi l'unique live act accompagné de visuels (abstraits, colorés, neigeux et aquatiques), sobres et agréables. Nous nous sommes bien entendu empressé de le prolonger par l'acquisition du dernier album en date du talentueux Anglais.

C'est avec un égal plaisir que l'on retrouvait les Danois Efterklang, qui en sont eux aussi à leur troisième album en un peu plus de cinq ans d'activité (ponctués aussi de deux très intéressants EP et d'un album live), le tout récent Magic Chairs. Ici aussi, on constate une inflexion de style entre leur premier opus, le très éthéré et excellent Tripper, et les deux suivants qui adoptent une tournure plus pop, sans toutefois se départir de la profondeur et de l'amplitude dont cet octet scandinave est coutumier. Guitares, basse, batterie, claviers, flûte, trombone, trompette, tambourins : c'est dans une sorte de petit monde enchanté, un univers très personnel, que nous sommes conviés. On confesse avoir eu un peu de mal à rentrer pleinement dans le set au début de celui-ci ; en revanche, la deuxième partie nous a davantage convaincu, entre pop symphonique et musique de chambre aux accents folk. Concentrés, inspirés et complices, les musiciens ont visiblement apprécié l'accueil qu'un public liégeois conquis leur a réservé. Au final, un bien beau moment en apesanteur, largement centré sur le dernier album et son prédécesseur Parades.

Le dernier groupe à l'affiche était pour nous une curiosité lointaine, puisque Panico nous vient du Chili. L'album Subliminal Kill, sorti sur Tigersushi en 2005, est plaisant, sans plus ; le set de ce soir s'avéra plus convaincant, sans atteindre aucun sommet. Panico pratique un dance-rock évoquant LCD Soundsystem, Radio 4 ou Yeah Yeah Yeahs ; pêchu tout en demeurant sage, efficace mais dépourvu de génie, leur set signa plaisamment la fin d'un festival extrêmement agréable, auquel un espère un avenir prometteur tout en souhaitant qu'il reste à taille humaine et conserve son éclectisme et sa bonne humeur.

BS(p)² - Nitneroc / This Is The Hello Monster / GnG / Carton Sonore

Fabrice Allard — 2010-07-25T09:18:41Z

En ce mois de juillet où la programmation des salles de concert tend à s'éteindre et que la musique se consomme principalement sous forme de festival dans nos régions ou à l'étranger, les Boutiques Sonores offraient aux parisiens coincés sur la capitale un festival décalé. Pendant 8 jours, artistes et labels investissaient la plage de Glaz'Art, la Flèche d'Or, La Loge ou L'International comme ce soir avec cette carte blanche dédiée au label Monster K7 dont nous avons déjà parlé à quelques reprises sur ces pages, avec des artistes comme Kawaii, GnG ou Enzym.
La programmation avait tout pour nous attirer puisque c'était l'occasion de voir sur scène des formations que nous connaissions sur disque mais que nous n'avions jamais vu sur scène ou d'autres dont nous avions entendu dire énormément de bien.


Carton Sonore

La soirée débutait un peu plus tard que prévu puisque Carton Sonore ne commença à jouer que vers 21h30. Quatre musiciens sur scène parmi lesquels nous retrouvions des membres de Nitneroc ou Kawaii, et un esprit très toy music puisque l'on trouvait ici mélodica, clochettes, toy piano, claviers type Casio, et visiblement un charango (ukulélé à 10 cordes provenant d'Amérique latine) tandis que le membre de Nitneroc était au violon et qu'un ordinateur était là pour diffuser une base sonore. L'ensemble fonctionnait à merveille, avec un petit quelque chose de léger, d'ensoleillé, d'estival en somme même si nous étions au sous-sol de L'International. Assez nette dominante du charango pour les mélodies et du mélodica pour les accompagnements, des mélodies immédiates que l'on aurait pu fredonner en direct, une musique parfois répétitive et au final un mélange plein de charme, entre légèreté et nostalgie.


GnG

Changement complet de registre ensuite puisque c'est le duo GnG qui enchainait, une formation dont nous avions parlé l'an dernier à l'occasion de la sortie de leur album Bancal. On retrouve les deux hommes affublés d'un masque de ragondin derrière laptop et machines, tandis qu'un troisième membre semblait se charger des projections en fond de scène. Le concert débute par des images et samples d'archive avec une speakerine annonçant l'ouverture de la deuxième chaine de télévision française. La musique de GnG est synthétique et franche, avec d'une part des séquences rythmiques un peu lourdes, un son assez brut que l'on attribuera à des influences hip-hop, et d'autre part des mélodies légères, ludiques et sautillantes.
L'enchainement avec Carton Sonore nous paraitra un peu rude, mais l'ensemble du concert est bien construit. Images d'archive et samples servent de fil rouge via des interludes réguliers, et les visuels collaient à merveille à l'univers du groupe, à la fois pop et enfantin. Le public semblait en tout cas être venu en nombre pour les soutenir voire danser sur quelques titres franchement festifs ou se trémousser sur un final jazzy.


This Is The Hello Monster !

This Is The Hello Monster !, malgré son nom, n'est pas sur Monster K7, mais le label à cassette est plutôt fan. Ça tombe bien, après en avoir entendu énormément de bien, nous avions hâte de voir ce que donnent ces concerts du jeune homme qui se produit très régulièrement sur scène. Deux claviers et une voix sont les composants principaux de cette pop sensible. Des mélodies se rapprochant souvent du piano, quelques sonorités ludiques, mais surtout une voix magnifiquement utilisée, certainement influencée par la scène folk. Tantôt grave, tantôt de fausset, parfois murmurée ou empreinte de quelques tremolos, souvent douce, toujours habitée, du genre à vous donner des frissons.
La formule tient en fait à se mélange de douceur, de petits malheurs de la vie (tirant peut-être un peu trop sur la corde sensible mais avec humour quand il annonce avant son dernier titre "on ne se reverra peut-être jamais") et de légèreté en présentant ses chansons comme des morceaux de film d'horreur ou de comédie musicale de science-fiction. Bref, une excellente découverte et un personnage particulièrement attachant.


Nitneroc

Il est plus de minuit quand Nitneroc prend place, encore un duo entouré de machines : laptop, sampler et divers claviers. On ne connaissait pas grand chose de cette formation si ce n'est leur split avec Enzym, donc on peut parler de découverte live. Si l'on devait rapprocher Nitneroc de l'une des formations précédentes, se serait GnG avec qui le jeune duo partage un son foisonnant. Il est d'ailleurs assez étonnant de voir ces déluges de claviers joués en live par les deux musiciens qui font preuve d'une facilité déconcertante, maniant leurs claviers avec dextérité à une époque ou la musique électronique se résume bien souvent à un laptop et aux quelques touches d'un sampler.
Influence world par ici, quelques éléments qui peuvent nous faire penser à Plaid par là, un esprit pop en général, des sonorités chatoyantes, souvent proches des musiques de jeux vidéo, un tempo soutenu, la formule est plutôt efficace, groovy, funky, parfait pour terminer la soirée devant un public acquis à leur cause. D'ailleurs tout le monde demandera un rappel et quelques amis appelés par le groupe viendront prendre la scène pour piste de danse sur un dernier titre joliment déjanté.

Sonic Protest : David Grubbs / Yann Leguay / Yann Gourdon

Fabrice Allard — 2010-07-11T22:07:22Z

Pour clôturer la saison, les Instants Chavirés ouvraient leurs portes à Sonic Protest pour une soirée censée faire concurrence à la petite finale du mondial de foot, mais c'est tout juste 5-6 personnes qui sont présentes à notre arrivée. Certes il faisait beau, c'est l'été, et il n'était que 20h30, mais avec David Grubbs en tête d'affiche on s'attendait à voir une salle comble.

C'est donc avec un peu de retard, vers 21h, que débute le premier concert devant une salle modérément remplie. Yann Gourdon joue d'un instrument décidément en vogue, puisqu'un mois plus tôt c'est Eric Cordier qui jouait de la vielle à roue aux côtés de Keiji Haino. Le parcours de Yann est aussi particulier que le fait de voir cet instrument aux Instants Chavirés. Un père violoniste le plonge très tôt dans le monde de la musique et c'est le coup de foudre pour la vielle à roue qu'il pratiquera assidument, prenant des cours afin d'étudier les différents type de jeu et trouver sa propre pratique de l'instrument. De part la nature de l'instrument et son parcours artistique, Yann Gourdon joue à la fois dans des groupes ou projets traditionnels, avec en parallèle un travail sur la musique contemporaine, la recherche sonore autour des possibilités de la vielle électroacoustique.
En effet l'instrument de Yann est branché, et produit un son puissant, étourdissant, comme un long ronronnement infini au subtiles variations de fréquences sonores. Le genre de musique à rapprocher du drone puisque le Français joue sur la multiplication des fréquences sonores, faisant varier celles-ci en désaccordant sans cesse son instrument afin de produire de rapides glissandi. Le concert est long, un peu trop sûrement, et sera certainement éprouvant pour quelques spectateurs, mais l'artiste semble également exténué à la fin de son set d'une quarantaine de minutes à tourner cette manivelle. On appréciera plus particulièrement cette fin de concert, aux variations plus riches, les fréquences sonores tombant dans les graves et se détachant une à une.


Yann Leguay

C'est vers 22h que Yann Leguay prendra le relai avec a priori une formule classique : platines et table de mixage. En y regardant de plus près on se rendra compte que ces éléments ont quelques particularités qui font toute la spécificité du travail du Belge : les platines ont deux ou trois bras, les disques sont vierges (dépourvus de sillons donc), et quelques instruments non musicaux sont à sa disposition : cutter, scalpel, et autres outils de dentiste...
Yann Leguay est un fait un sculpteur : il travaille simultanément sur la matière physique et sonore, commençant par gratouiller un disque avec une sonde de dentiste, créant une pluie de grésillements, taillant ensuite ses disques dans le vif pour créer une rythmique claquante et un peu chaotique. On pensera immédiatement au quatuor allemand Institut für Feinmotorik, mais Yann Leguay est seul, aidé de ses tables de mixage pour sampler quelques boucles et ajouter ainsi des couches sonores. On aura parfois un peu de mal à faire le lien entre l'action et le résultat audible. Quelques grincements surprenants, certains bras semblent être là pour creuser des sillons et rayer l'étiquette centrale au profit d'un souffle linéaire, le tout mêlé à un jeu de platiniste plus classique. Un concert qui se révèle être plutôt magique, surprenant de voir cette musique se construire de cette manière et se révéler étonnamment efficace dans un final aux rythmiques puissantes et technoïdes. Il terminera sous un tonnerre d'applaudissements franchement mérité !


David Grubbs (et Noël Akchoté)

Alors que l'on était dehors à prendre l'air en buvant un verre, voilà que l'on nous annonce déjà le concert de David Grubbs. On traine un peu la patte et voilà t'y pas que l'on entend la guitare à l'extérieur... Faisant un peu trop chaud dans la salle, l'artiste décida de commencer son set devant la porte des Instants Chavirés pour le plaisir du plus grand nombre, en toute simplicité. Un premier titre instrumental avec ce son de guitare un peu rugueux et ces cassures qui font le charme de la musique de l'Américain, puis un second, plus doux et chanté d'une voix feutrée.
On enchaîne à l'intérieur, toujours à la guitare alors que l'on aurait certainement préféré voir David Grubbs au piano. Il enchaine les morceaux, alternant instrumentaux et chansons pop épurées devant un public conquis d'avance. Il faut dire que le bonhomme est souriant, particulièrement à l'aise, et fait preuve d'une facilité déconcertante pour aligner avec classe accords et faux désaccords. Par ailleurs il donne plus l'impression de donner un concert privé pour des amis que de faire une représentation sur scène ce qui le rend éminemment sympathique.
Après environ 35mn solo, et comme annoncé peu de temps avant le concert, il se voit rejoint par Noël Akchoté pour un duo piano / guitare. Le français est assis, guitare posée sur les cuisses, manche dirigé au plafond, et il ne jouera que de coup donnés contre le corps de son instrument. Grubbs ajoute ça et là quelques notes de piano pour un joli set façon expérimentations contemporaines et fragiles.

Siestes Electroniques 2010 : Marc Démereau / Chateau Marmont / Mount Kimbie / Junior Boys

Fabrice Allard — 2010-06-29T14:16:05Z

Deuxième après-midi à la Prairie des Filtres, avec déjà à 16h30 un public venu en nombre malgré les nuages plongeant Toulouse sous une chape de plomb. On commencera par se prendre une petite assiette de spécialités japonaises puisque c'était le thème culinaire de cette année, en attendant que les concerts annoncés à 16h ne commencent, vers 17h10-15 en réalité.

On commençait aujourd'hui avec un toulousain, puisque c'est Marc Démereau que l'on était amené à découvrir. La cinquantaine passée, principalement connu dans le monde du jazz, Marc Démereau participe à de multiples projets (Le Tigre des Platanes, La Friture Moderne, Cannibales & Vahinés) et expérimente en solo en mêlant sa pratique instrumentale à l'outil informatique.
Le programme annonçait de manière un peu limitative un concert de scie musicale mais c'est à beaucoup plus que cela que l'on assista cet après-midi, le concert débutant par quelques notes électroniques un peu vrillées, fines et à peine saturées. On s'attendait tellement à entendre les miaulements d'une scie que l'on ne réalisa pas immédiatement que c'était bien le Toulousain qui avait débuté son concert. La scie justement, on l'entend, mais on est bien loin de ce que l'on connaissait du genre puisqu'elle est ici grinçante et légèrement traitée par l'ordinateur. Marc Démereau nous offrira un concert extrêmement riche, donnant l'impression de changer de style à chaque morceau, se faisant tour à tour doux, poétique, bruitiste, alternant ou mettant en parallèle composition électronique et improvisation acoustique, particulièrement free quand il s'empare de son saxophone, revenant ensuite à une ambient minimaliste.
À l'aise dans tous les styles, passant sans cesse d'un instrument à l'autre, il nous délivra un concert extrêmement dense et moderne, de toute beauté. Pour situer un peu mieux cet artiste atypique, nous avions droit après son concert à une interview réalisée par Campus FM lors de laquelle il fut questionné sur ses influences électroniques. Il cita quelques artistes de registres divers (Ryoji Ikeda, Richard Chartier, Fennesz, Otomo Yoshihide), et c'est effectivement un peu de tout cela qu'il y avait dans son set.

A Mountain of One en 2008, Etienne Jaumet en 2009, il nous faut maintenant un certain quota d'artistes estampillés 70s et c'est Chateau Marmont qui devait jouer ce rôle cette année. Découverte également, mais ce n'est pas le genre de formation sur lequel on s'attardera longuement. Batterie électronique, guitare, basse et claviers vintages, on qualifiera la musique du quatuor de sympathique, légère, doucement rétro. Une électro-pop pour cosmonautes en combinaison gris métallisé (il n'y a pas de raison qu'on se prive des clichés avec lesquels joue le groupe) aux arpèges accrocheuses et au vocoder prévisible. À la rigueur c'est là tout le problème, pour peu que l'on attende autre chose d'un concert que de simplement diffuser de la musique, pour peu que l'on attende d'être un peu surpris voire bousculé par la musique, on risquera la petite déception. Un concert agréable pour comater dans l'herbe mais que l'on aura vite oublié.


Mount Kimbie

Pendant le concert de Chateau Marmont le ciel se fera menaçant et quelques gouttes commencent à tomber, mais les organisateurs installeront des tentes sur scène afin de protéger artistes et matériel. C'est encore sous un ciel incertain que se met en place la scène pour Mount Kimbie, un nouveau sponsor floral étant là cette année pour habiller la scène de plantes et fleurs, ajoutant encore à la composante bucolique du festival.
La description de Mount Kimbie faisait plutôt envie et ce sera effectivement une excellente découverte que ce duo anglais. Impossible de passer à côté de la vague dubstep qui déferle sur l'Angleterre depuis quelques années, et bien Mount Kimbie a décidé d'aller au delà du genre, à la malmener en y incorporant savamment plein de petites choses inattendues. Surprise ainsi de voir l'un des artistes prendre une guitare sur ce live laptop-machines, plaquant des accords pop-rock, usant aussi bien de samples vocaux que d'un chant à la voix suave, le tout étant posé sur des grooves bancales du plus bel effet. Un peu comme la formule electronica ultra classique consistant à mettre en parallèle rythmiques sauvages et mélodies mélancoliques, Mount Kimbie apporte une sensibilité pop sur ses tempos à la fois ronds et chaotiques, évitant toute facilité, se faisant imprévisibles. On est tombé sous le charme !


Junior Boys

Pour terminer, le DJ set du jour avec Junior Boys. Il s'agit normalement d'un duo canadien composant depuis 6-7 ans une musique électro-pop aux influences disco. Légèreté et danse donc, mais pour ce DJ set seul l'un des deux membres du groupe, Matthew Didemus, était présent. Il débute alors qu'il est un peu plus de 20h avec un tempo soutenu, assez techno pour donner envie à tout le monde de se lever pour danser. Ça fonctionne plutôt bien, le ciel s'est dégagé, et cette neuvième édition des Siestes Électroniques se termine sur des rythmiques house chaloupées.

Neuf ans donc... avant de venir on se demandait un peu si l'on viendrait l'année prochaine, surtout si la programmation confirme la direction prise ces dernières années. Bien sûr on verra ça l'année prochaine, mais on peut déjà espérer avoir quelques (bonnes ?) surprises pour fêter ces dix ans !


Fin de festival, ambiance...

Siestes Electroniques 2010 : Es / The Ruby Suns / Machine Drum / Rebolledo

Fabrice Allard — 2010-06-27T13:37:54Z

Neuvième édition des Siestes Électroniques, et pour la septième année consécutive EtherREAL se déplace sous le soleil toulousain pour voir ce qu'il s'y passe. Cette année nous n'y ferons qu'un passage éclair. En effet nous aurions pu venir pour l'ouverture avec la rencontre entre Makoto Kawabata et Keiji Haino, mais nous assistions à celle-ci quelques jours plus tôt au Générateur (Gentilly). On aurait pu faire le déplacement pour l'électro minimale de Pantha du Prince mais ça n'aurait été vraiment pas de chance puisque celui-ci fut contraint d'annuler pour cause de grève. De toute façon on se serait ennuyé vendredi puisqu'à la place des habituels concerts en prélude aux Siestes, il n'y avait qu'une "rave party" Tigersushi à se mettre sous la dent.
Il ne nous restait donc que le week-end qui représente toutefois l'essence même de ce festival avec ambiance décontractée et pour reprendre les propos des animateurs de Campus FM présents sur place, "de la bière fraiche et des jolies filles". OK !.... et la musique dans tout ça ?

On hésitera à aller jusqu'à dire que la musique est ici secondaire, mais bon... Notre seule réelle motivation était de venir voir Es, c'est assez maigre au regard du déplacement, aussi on misait effectivement sur le soleil, un cadre agréable, des amis que l'on retrouve ici tous les ans pour rétablir un certain équilibre.
C'est justement Es, le finlandais qui dirige l'excellent label Fonal, qui ouvrait cette journée, apportant une fraicheur mélancolique sous ce soleil de plomb. Apparemment simplement équipé d'un petit clavier et de pédales d'effet, le Finlandais commençait son set par de petites notes éparses, hésitantes, jolies sonorités trop distendues pour composer une réelle mélodie. Petit à petit le son s'étoffe, les claviers délivrent de véritables cascades improvisées, puis le son se fait plus enveloppant à base de nappes d'orgues oscillantes avec lesquelles l'artiste improvisera de la même façon. S'ensuit un quart d'heure de toute beauté, joliment rétro, subtilement psychédélique, une ambient mélodique émouvante qui valait à elle seule le déplacement.
Par chance, et en bon label manager, Sami Sänpäkkilä était venu avec ses albums mais aussi quelques autres sorties Fonal, nous permettant d'acquérir ses dernières productions.

Les organisateurs des Siestes Électroniques communiquent assez largement sur leur volonté d'ouverture, de proposer à la fois des musiques exigeantes et dansantes. C'est tout à leur honneur, mais cela amène parfois à des carambolages sonores comme celui auquel on assistait avec l'arrivée du trio néozélandais The Ruby Suns. Un peu comme si un mauvais DJ avait pris le contrôle des machines, alors que nous étions encore plongés dans une féérie finlandaise voici que débarque une pop à fortes consonances polynésiennes, légèrement électronisante. Guitare, batterie électronique, voix de fausset pour la douceur, rythmiques ensoleillées et une volonté de voir le public se lever pour danser sur une pop fraiche. Pour nous ce sera plutôt bière fraiche puisque le bar proposait une excellente blanche au subtil parfum de pomme, parfait en attendant que ça se passe...


Machine Drum

À 19h30 c'est Machine Drum qui prend le relai pour un live au laptop et sampler. Il commence par faire mouche en lançant un "Toulouse" dans son micro qu'il incorpore immédiatement dans sa musique. On ne connaissait pas le travail de Travis Stewart et on fut assez surpris par la finesse de son premier titre, finalement très electronica, mélodies simples mais soignées sur un tempo saccadé évitant tout cliché, nous rappelant que le jeune homme est tout de même signé chez Merck (Deru, Lackluster, Proem).
Malheureusement, et comme tous les artistes qui travaillent avec des samples et boucles de mauvaise qualité (on se rappellera de Hudson Mohawke l'an passé), compressé en MP3 ou équivalent, sa musique souffre d'un profond manque de relief, d'amplitude et nous paraît complètement étouffée. On a beau apprécier ses séquences rythmiques, elles peinent à rendre sa musique véritablement entrainante alors que pourtant il y a là un réel potentiel. Autre effet de bord, Machine Drum se met parfois à chanter, accompagnant un tempo aux influences hip-hop ou plus franchement dubstep et c'est alors la catastrophe avec une voix complètement décalée, niveaux sonores en complet déphasage.
Un concert en demi-teinte qui nous permettra tout juste d'apprécier le potentiel de l'artiste. À tester sur disque plutôt.

En dehors de la programmation musicale, un autre élément fait montre de l'évolution des Siestes Électroniques, le nombre de lives. En 2004, lors de notre première édition, nous avions quatre voire cinq concerts. Alors que sur EtherREAL nous défendons les véritables concerts en tant que présentation du travail de composition d'un artiste, suivant une tendance déjà initiée les années précédentes nous n'avons aujourd'hui plus que trois concerts puis un DJ set.
C'est le mexicain Rebolledo qui jouera ce rôle ce soir. Une belle sélection qui fait l'affaire, efficace et plaisante, mais on remarquera quand même que c'est le Rez d'Underworld (1994) qui n'a pas pris une ride et qui fera bondir tous les festivaliers en fin de soirée.

En conclusion de cette première journée, Es est à voir et revoir, et peut-être que l'on se penchera sur la discographie de Machine Drum.

Elsie Else Festival 2010 : Alexandre Navarro / Industrial Mechanics / Toba / Jackie Chan Orchestra / Die Wurst-Brücke Sound System Povera / Un Escargot Vide ? / Zrl + Tokage / Sonic Surgeon / Cosmic Super Niao Niao

Fabrice Allard — 2010-06-21T08:38:56Z

C'est en ce gris samedi que se déroulait la troisième édition du Festival Elsie Else, reprenant le principe des années précédentes avec une dizaine de concerts débutant en fin d'après-midi. L'occasion de retrouver des artistes découverts l'an passé, d'en voir d'autres enfin en live, et surtout de faire plein de découvertes.

Malheureusement, comme l'an passé il n'y a pas grand monde aux Instants, les organisateurs ayant pourtant incité les spectateurs à venir tôt avec un tarif attractif pour ceux qui arrivaient avant 20h. Pour notre part, on arrivera avec un peu de retard, et en raison d'un changement de programme de dernière minute, on rate le début du concert d'Alexandre Navarro qui avait été contraint d'annuler l'an dernier et que l'on voulait absolument voir ce soir. Le boss de SEM label est seul sur scène avec sa guitare, ses pédales d'effets, un e-bow, accumulant petit à petit des strates de guitares douces et lumineuses. Nappes oscillantes, notes résonantes, répétitions lancinantes, le Parisien surprend parfois avec des montées de tension. Le procédé n'est pas nouveau, voire habituel depuis quelques années, mais le set est carré, propre, faisant preuve d'une certaine finesse pour un résultat vraiment touchant, susceptible de faire se rejoindre les amateurs de post-rock et d'electronica.

Industrial Mechanics ensuite, un nom qui suscitera quelques interrogations. On avait juste écouté quelques notes sur leur MySpace avant le festival, afin de voir si ça valait le coup que l'on arrive à 17h, et le peu que l'on ait entendu donnait plutôt envie. Sur scène le trio liégeois à la configuration classique guitare/basse/batterie nous surprendra par sa variété de ton. Des passages d'un post-rock doux, mélodique qui pourra évoquer toute une ribambelle de groupes dans le genre, avec samples vocaux parsemés, puis des montées extrêmes, lorgnant vers un rock lourd, appuyé par l'attitude des guitaristes, parfois à la limite du head banging. Revendiquant aussi bien des influences de Mogwai que d'Isis, on comprendra mieux la trajectoire du combo belge qui nous offrira un set propre, apparemment bien rodé. On regrettera juste que chaque morceau soit construit sur le même principe, alternant de manière mathématique douceur et rugosité.


Toba

Un peu avant 19h, c'est Toba qui prend le relai, une jeune femme que l'on découvrait l'an dernier en ouverture du festival. Elle jouait ce soir au milieu du public, assise dans un coin comme n'importe quel spectateur avec le laptop sur les genoux, un peu "comme à la maison". Son concert fut une excellente surprise, d'une electronica tantôt abstraite, bleeps et piaillements d'oiseaux, sifflements, bruitages mécaniques et sonorités concrètes, avec parfois une mélodie minimale, pop et accrocheuse, du plus bel effet. Son set d'une petite vingtaine de minute fut parfait de bout en bout, alternant habilement entre ces deux univers, tenant l'auditeur en éveil et le faisant naviguer entre enfance, mystère et poésie.

On restera sur de la laptop music avec le Jackie Chan Orchestra, en fait le projet d'un seul homme, moitié du duo Bird and Bear que l'on découvrait ici l'an dernier. Un style vraiment à part avec un set ressemblant à un mille-feuille de nappes glissantes, souvent inquiétantes. Le jeune homme peint un univers étrange à base de créatures fantasmagoriques aux cris plaintifs, hululements, crissements de volatiles, des ronronnements monstrueux venant créer quelques cassures impromptues. Il nous sert de guide dans cette forêt habitée tandis que des chœurs synthétiques tentent de nous rassurer. Une musique hautement cinématographique, un joli set qui sera toutefois un peu perturbé par la volonté d'enchaîner avec l'artiste suivant, des hésitations lors de la phase de transition.


Die Wurst-Brücke Sound System Povera

C'est Die Wurst-Brücke Sound System Povera qui prend le relai avec une mise en scène haute en couleur puisque l'artiste est déguisé avec une robe et une cagoule de Spiderman sur le visage, accroupi dans une espèce de cabane, simple armature métallique recouverte d'une bâche en plastique. Dans cette cabane, éclairage et boules lumineuses tournoient tandis que la musique se rapproche d'une noise martelée, ponctuée de déclamations. Une abstract pop-noise colorée que des roulements mécaniques finissent par rendre dansante. Pour amateurs du genre, l'artiste accumule les concerts en ce mois de juin, à surveiller donc du côté de La Générale ou du Tunnel !


Un Escargot Vide ?

À 20h45 c'est l'organisateur du festival, Un Escargot Vide ?, qui prend place. Laptop, Nintendo DS et consoles de mixage pour outil, il nous offre lui aussi un concert de toute beauté. On aura tendance à rapprocher sa prestation du concert de Toba un peu plus tôt. Une musique toute en finesse, mêlant électronique limpide et samples d'enfants, field recordings, revenant régulièrement à des structures plus classiques, rythmiques ou mélodiques, comme pour se remettre sur les rails avant d'explorer de nouvelles contrées. Alternant douceur et tension, devant un public particulièrement attentif, ce fut l'un des grands moments de la soirée.

Comme l'an dernier, au fil des heures le ton monte et on s'oriente vers des musiques un peu plus nerveuses. C'est notamment le cas de Zrl et Tokage qui jouent en duo. C'est Tokage qui commence seul avec un baladeur cassette et de multiples effets. Une musique abstraite, faite de souffles et ronronnements de basses. Au bout de 5mn il est rejoint par Zrl qui jouait également l'an dernier. Équipé de son laptop il diffuse des textures bruitistes qui viennent tout écraser, laissant tout juste deviner quelques influences industrielles.


Sonic Surgeon

Il est 22h quand Sonic Surgeon prend place, cette année en solo. Après la diffusion d'une musique asiatique, entre pop et tradition, le ton change radicalement avec la manipulation de deux prises jack, créant des drones oscillants. L'arrivée d'une boîte à rythme et de la voix de Sonic Surgeon nous permet de retrouver son style, une électro-pop sombre et brute, mécanique. On y retrouve des influences new-wave et industrielles joliment travaillées pour un résultat particulièrement efficace. L'artiste surprend par l'éclectisme de son set, enchaînant en utilisant un tuyau en plastique à la manière d'un cor, passant ensuite à la guitare sur de rondes boucles électroniques et spoken word soyeux, poésie et rythmique technoïde. On restait bien dans le ton de la soirée, mais après les set de laptopeurs et autres artistes bruitistes, la musique de Sonic Surgeon était comme un bol d'air qui permis au public de se mettre à danser.

C'est Cosmic Super Niao Niao qui avait la lourde tâche de clôturer la soirée. Encore une jeune femme toute seule au laptop avec une musique pas forcément facile d'accès puisqu'il s'agissait ici principalement de collages et traitements de field recordings. C'est une impression d'ambiance urbaine qui domine, entre souffles et ronronnement de circulation, quelques martèlements et pulsations de basse pour un résultat très abstrait, manquant certainement de fil mélodique comme avait pu le faire ses comparses précédemment. Un concert par ailleurs un peu trop long (près de 40mn) qui fait qu'une partie du public abandonne sur les 10 dernières minutes alors qu'une mélodie de xylophone semble imiter des gouttes de pluie.


Cosmic Super Niao Niao

Comme l'année dernière, le public était trop peu nombreux. Dommage pour les artistes qui bénéficiaient cependant d'un cadre intimiste et de spectateurs attentifs.

Scope #5 : Fourcolor / Hervé Boghossian / Tomoko Sauvage

Fabrice Allard — 2010-06-20T14:07:03Z

Suite de la série Scope organisée par Hervé Boghossian aux Instants Chavirés depuis décembre 2007 avec cette 5ème soirée dédiée au Japon. C'était pour nous l'occasion de voir enfin Tomoko Sauvage, régulièrement à l'affiche depuis quelques mois, et Fourcolor, le projet solo de Keiichi Sugimoto, pour la première fois en concert sur Paris.

On attendra un peu que le public arrive, en imaginant que ce n'est pas le même que celui de France-Mexique, le match du jour, mais c'est devant un nombre de spectateur modeste que Tomoko Sauvage débutera son set. C'est au milieu de la salle, contre un mur que Tomoko Miyata prit place derrière un étrange dispositif. Des bols de porcelaine remplis d'eau, et juste au dessus des gobelets en plastique accrochés à un portique. De ces gobelets tombent des gouttes d'eau, lentement et régulièrement, qui viennent s'écraser sur les bols en les faisant résonner. À cette différence près que Tomoko Sauvage se consacre exclusivement à l'élément aquatique, le procédé nous rappelait le travail de Tô (Thomas Tilly) avec des bougies dont les gouttes de cires servaient de source sonore.
Musicalement on se situe entre abstraction et répétition, entre la régularité des gouttes et les manipulations live de l'artiste qui choisit de diffuser et transformer le son de tel ou tel bol, créant un effet de vibrato en agitant l'eau de sa main. Intéressant ensuite de voir l'eau plate remplacée par de l'eau pétillante, ajoutant une texture grésillante qui sera mise en boucle, créant du même coup une rythmique lancinante. Le traitement du son nous apparaîtra d'ailleurs plus riche en fin de concert, superposant les boucles et laissant s'échapper de ses mains de gros filets d'eau qui venaient s'écraser sur les bols les plus larges.
Très joli concert, musique concrète et fragile dont on poursuivra la découverte avec l'album Ombrophilia publié l'an dernier chez and/OAR.

Rapide enchaînement avec Hervé Boghossian qui une fois de plus nous propose un set complètement différent de ses derniers concerts. Formule guitare électrique et laptop, attitude rock'n roll pour un set nerveux. Après la douceur et la fragilité de Tomoko Sauvage, la cassure est nette avec une véritable déflagration sonore qui sort des enceintes. La guitare électrique est traitée par l'ordinateur sur un mode qui n'est pas sans rappeler Fennesz, mais le son nous apparaîtra ici moins granuleux, plus uniforme, comme un dense essaim de grésillements.
Dès le premier titre une corde casse, 6mn de break et ca repart de plus belle avec un set présenté sous forme de morceaux bien distincts. On se demandera si ce choix était le plus adapté, permettant de faire une petite pause salvatrice pour les oreilles, mais cassant un peu la tension omniprésente. L'aspect mélodique n'est pas oublié, mais passe au second plan derrière les rugissements qui ont tendance à tout écraser. Parfois l'artiste s'applique à casser une certaine uniformité en modulant un peu plus ses effets, abandonnant la mélodie au profit de cassures purement granuleuses. Ce sera particulièrement le cas sur le dernier morceau qui restera notre préféré, peut-être aussi parce que la guitare passait un peu au second plan au profit de bruits et textures purement numériques.


Fourcolor

Retour au Japon et à la douceur avec Fourcolor. En effet ce fut un nouveau contraste qui nous était proposé puisque si Keiichi Sugimoto se produisait lui aussi avec guitare et laptop, il commença par délivrer de douces notes, limpides et aériennes, en suspend, délicates strates réverbérées, guitare traitée au son électronique. Quelques notes et accords épars, et petit à petit l'ambient apaisée se fait de plus en plus dérangée, cassante, alternant rapidement entre douceur et une certaine aridité. On a peut-être un peu trop tendance à l'oublier, mais Keiichi Sugimoto flirte aussi avec la scène improvisée (il a signé Toshimaru Nakamura sur son label Cubic Music) et il se met à triturer la prise Jack de sa guitare, produisant des bruitages métalliques et des ronronnements de basse. La musique du Japonais est en mouvement perpétuel, riche, subtile, à la fois poétique et pleine de vie, allant jusqu'à se faire bruitiste en fin de set, se concentrant sur la manipulation de ses pédales d'effet.
Un superbe concert dans un registre qui semble se faire de plus en plus rare sur scène, un véritable plaisir et globalement une très bonne soirée, malheureusement devant un public venu en petit nombre.

Villette Sonique : Manuel Göttsching / Oneohtrix Point Never

Fabrice Allard — 2010-06-05T19:45:36Z

Si le Festival Villette Sonique n'est pas celui qui rentre le plus dans notre ligne éditoriale, sa programmation éclectique fait qu'il y a toujours une ou deux dates susceptibles de nous intéresser. Cette année notre choix se portait sur cette soirée à La Géode dans un cadre plutôt exceptionnel pour un concert, avec la nouvelle star des synthés, Oneohtrix Point Never que nous avions raté aux Instants quelques mois plus tôt et Manuel Göttsching, véritable vétéran d'une scène prog-kraut germanique.

Ouverture de la salle vers 21h, et premier concert à 21h30 dans une salle qui n'affichait pas complet mais qui était toutefois bien remplie. L'éclectisme du public reflétait à merveille le choc des générations présent sur scène, entre jeunes amateurs de sensations nouvelles et vieux hippies qui sont à la fête depuis quelques temps puisqu'en un an nous aurons eu droit aux concerts parisiens de Klaus Schulze, Tangerine Dream et donc Manuel Göttsching.
Oneohtrix Point Never est le projet solo de Daniel Lopatin, basé à New-York et actuellement en concert un peu partout à travers le monde depuis que la presse musicale s'est emballée pour son projet. De notre côté on venait voir ce que pouvait donner en live ce projet dont nous n'avions écouté que quelques titres sur son MySpace, loin d'être convaincu par la chose. Quitte à jouer à La Géode, autant profiter pleinement du lieu et pour cela Daniel Lopatin avait choisi le film Origine océan pour habiller la voute de la salle. Ca tombe plutôt bien, il n'y a pas grand chose à voir sur scène, le jeune homme étant assis derrière ses claviers. Il mêle des bruitages variés à l'origine d'une certaine abstraction, et des nappes synthétiques aux contours flous, pouvant faire penser aux travaux de Boards of Canada, allant et venant, entre douceur et tension. On sera assez surpris par les comparaisons avec Tangerine Dream, comparaisons dont l'artiste se défend d'ailleurs. Après une lente montée qui fit l'objet de la première partie, la musique de l'américain se fit plus complexe, mettant l'accent sur l'abstraction avec une multitude de sonorités constituant un dense magma d'orgues triturés, flirtant parfois avec un certain bruitisme qui vint rompre avec cette image d'auteur de musiques planantes. Un passage qui collait finalement pas mal avec les images d'étranges créatures sous-marines virevoltant de toutes parts.
Ce n'est qu'au bout d'une trentaine de minutes que le jeune américain lance les arpèges entêtantes que l'on attendait depuis le début, faisant le lien direct avec le krautrock planant des années 70. Notre passage préféré mais le film se termine et Oneohtrix Point Never baissera ses potentiomètres pour mettre fin à son concert. Au final on trouvera sa démarche intéressante dans la mesure où il se détache un peu de cette scène 70s qui lui colle à la peau, mais d'un autre côté le concert qui dura grosso modo 38mn nous aura paru un peu chiant.

Vingt minutes de pause et c'est au tour de Manuel Göttsching que l'on connaissait surtout en tant que membre fondateur de Ash Ra Tempel avec à ses côtés Klaus Schulze. De notre côté nous avions surtout suivi la carrière du second en tant que maître des synthétiseurs, Göttsching étant avant tout guitariste. Le concert commence bizarrement, l'Allemand lançant brutalement une boucle rythmique d'un clic de souris. C'est vrai après tout, pourquoi se casser la tête à faire une petite intro à ses morceaux... il prend ensuite place au clavier et joue quelques nappes bien tristes, et on a très peur de ce qui nous attend. Il faudra en fait 7-8mn pour que la sauce prenne avec l'arrivée d'arpèges salvatrices. On ferme alors les yeux, on s'enfonce dans notre siège et c'est parti pour 1h20 en apesanteur.
Le trip sera interrompu par de longues pauses lors desquelles Manuel Göttsching prend le temps de nous parler, signalant que cela fait 34 ans qu'il n'a pas joué en France (! !!), dédiant un morceau à sa belle-mère décédée une semaine plus tôt, replaçant certains morceaux dans leur contexte, ou encore nous expliquant comment un titre lui a été inspiré, saluant enfin Steve Hillage et Rhys Chatham présents dans la salle. Il enchainera à la guitare, le laptop étant toujours là pour diffuser une base électronique tantôt jolie et soignée (on pensera même à Biosphere sur le premier titre), tantôt véritablement techno, venant alors gâcher notre plaisir. Ainsi après le superbe Midnight on Mars il jouera Deep Distance datant de 1976 mais revu dans une version aux basses martelées assez pénibles, concluant ainsi son concert.
Le public ne compte pas en rester là et manifeste son enthousiasme qui nous permettra d'avoir un titre en rappel, plus proche de l'esprit Göttsching, alternant entre clavier et guitare, à la cool.

So Percussion

Fabrice Allard — 2010-05-29T21:18:53Z

Il se trouve que nous étions à New-York pendant la Whitney Biennial. On ne profitera pas vraiment de l'événement, mais dans ce cadre avait été programmé une performance de So Percussion, quatuor basé à Brooklyn que l'on devrait voir prochainement sur Paris aux côtés de Matmos. Hasard de calendrier qui fait que l'on se déplacera au Whitney Museum afin de profiter de ce concert interactif.

Effectivement le musée ne communiquait pas sur un concert, mais une performance. Nuance finalement subtile à la vue de cet événement qui se déroulait dans le hall d'entrée du musée, où était exposée 5 Songs, une sculpture de Martin Kersels servant également de scène pour des performances. La sculpture se présentait sous forme de plateformes modulaires composées d'objets trouvés, sur lesquelles les artistes peuvent s'installer. Dans le cadre de la biennale, une petite dizaine de concerts étaient programmés sous le nom de Live on 5 Songs.
A l'entrée du hall, on nous distribuait un petit papier sur lequel étaient inscrites quelques instructions concernant le déroulement de la performance, invitant notamment le public à fredonner, lire un texte, ou aller jouer avec les artistes... Le "concert" débute en douceur avec nappes fragiles de mélodica, tintement de glockenspiel, et spoken word, parfois retraités et doublé par un vocoder. Douceur et poésie donc avant d'opter pour un tempo un peu plus affirmé avec une réelle batterie et cascade de xylophone. N'ayant jamais écouté la musique de So Percussion avant ce jour, on s'attendait à voir ici un projet extrêmement rythmique et on fut surpris par l'importance d'éléments purement mélodiques (voix, variante d'harmonium, claviers) rendant la musique du quatuor immédiatement accessible. On appréciera tout particulièrement une pièce composée de simples mots qui semblaient tombés là par hasard et qui petit à petit s'organisaient, formant des phrases dont chaque membre du groupe disaient un mot à tour de rôle. Un style haché, mécanique, donnant l'impression de sortir d'un sampler, et certainement très influencé par le travail de Steve Reich. Une pièce qui concluait la première partie du concert et qui leur valut les premiers applaudissements.
Le groupe débutera la deuxième partie de la performance de façon très musicale, des passages en apparence un peu abstrait, peut-être un peu improvisés, agréables mais qui ne nous marqueront pas plus que ça. On préfèrera une fois encore le travail sur la voix, avec cette fois l'ensemble du public qui lisait un texte, une réflexion sur une vie de poisson, bloqué dans un aquarium et cherchant à vivre hors de ce cadre, un peu comme l'homme cherche à vivre dans l'espace. Le public lisait donc avec le groupe qui une fois encore utilisait quelques traitements et modulations synthétiques, nous faisant cette fois penser aux travaux de Laurie Anderson.
Le concert se terminera avec une troisième partie lors de laquelle le groupe venait proposer au public de prendre leur place sur la sculpture de Kersels. Bien sûr les artistes donnaient quelques indications pour un résultat tout de même très répétitif mais qui fonctionnait à merveille. Finalement c'est l'ensemble du public qui frappait des mains pour marquer un peu plus le tempo de cette dernière pièce nettement plus enlevée que ne l'était l'ensemble du set.

Un concert d'une petite heure, très plaisant, reste à voir ce que cela peut donner lors d'un live commun avec Matmos.

Eluvium / Julianna Barwick / Clarice Jensen

Fabrice Allard — 2010-05-28T08:48:30Z

Seul concert réellement prévu de notre séjour new-yorkais, Eluvium qui fait l'objet d'éloges sur ces pages à propos de ses albums, mais nous n'avions jusque là jamais eu l'occasion de le voir en live. Il passait au Poisson Rouge, l'une des salles les plus excitantes de New-York pour tout amateur des musiques dont nous parlons ici avec notamment Matmos, Fuck Buttons, Oneohtrix Point Never ou encore Rafael Anton Irisarri sur les quelques jours qui suivaient notre séjour.

Classique videur a l'entrée, contrôle du ticket, on passe devant l'aquarium suspendu rempli de poissons, puis on descend en passant devant l'immense stand où t-shirts et intégrale de la discographie d'Eluvium sont en vente. On entre ensuite dans l'immense et classieuse salle, ce soir en configuration cabaret, tables et chaises perpendiculaires a la scène. Quelques spectateurs attendent déjà mais il n'y a pas foule.
Il est a peine plus de 20h, et le temps de commander un verre aura suffit pour voir Clarice Jensen arriver sur scène. Une inattendue (non annoncée) et étonnante première partie avec cette jeune femme, directrice artistique de l'American Contemporary Music Ensemble, seule sur scène avec son violoncelle, qui jouera dans un registre extrêmement classique, trop classique en fait pour vraiment faire l'objet d'une chronique sur ces pages. On apprendra plus tard que Le Poisson Rouge fait régulièrement le lien entre programmation expérimentale et nouvelle génération de compositeurs, nous en avions là un exemple concret.


Julianna Barwick

Une quinzaine de minutes de break, le temps pour Julianna Barwick d'installer son matériel, et voici le deuxième set. Il s'agissait là d'une parfaite première partie pour Eluvium, d'une belle introduction ambient. La jeune femme originaire de Brooklyn est debout derrière un pupitre recouvert de machines lui permettant en particulier de créer des boucles et d'appliquer des effets. Sa principale source sonore est sa voix, fredonnant quelques vocalises qu'elle transforme rapidement en de véritables chœurs éthérés, superposés à l'infini. L'américaine possède une superbe voix, douce, que les effets ne font qu'enjoliver. Ça fonctionne donc à merveille auprès des amateurs du genre, et on pensera assez souvent aux Cocteau Twins avec ce mélange de reverb et d'abstraction vocale.
Le petit point faible réside dans la répétition assez systématique, au sein de morceaux plutôt longs (on frôle bien souvent les 10mn), mais aussi sur la durée du concert qui au bout d'un moment nous fait un peu penser à une même recette appliquée sur des variations vocales. Quelques sifflements viennent parfois renouveler le registre sonore, puis elle enchainera avec un titre entièrement interprété à la guitare, très appliqué et sortant du lot de part son épure et sa courte durée. Elle reviendra à la voix histoire de confirmer qu'il s'agit là de son domaine de prédilection, et on repartira tout de même conquis avec ses deux CD puisqu'étaient en vente un album datant de 2006 et son récent EP Florine, tous deux sortis par ses propres moyens !

Dix minutes de pause et on enchaine avec la tête d'affiche de la soirée, soit Eluvium. Matthew Cooper arrive seul sur scène, assis derrière une petite table sur laquelle sont disposées diverses machines. Il est principalement à la guitare, délivrant une petite mélodie, douce et répétitive qui viendra s'enrichir d'une lente montée de nappe oscillante. Celle-ci finit par recouvrir la mélodie de guitare, se faisant plus dense, plus riche, se rapprochant alors d'une texture bruitiste. C'est à se moment que deux autres musiciens se lanceront sur scène, accompagnant Matt pour un retour au calme.
La suite du concert se déroulera principalement sous forme de trio, alternant entre les différents styles abordés sur disque par Eluvium. On sera alors un peu gêné par se live sous forme de compilation, sans réelle construction, passant d'un titre chanté sur abstractions mélodiques à une pièce au piano lorgnant vers le néoclassique en passant par une électro-pop aux rythmiques binaires et tintements mélodiques de piano. On passe ainsi rapidement d'une certaine mélancolie à des tempos plus enjoués, même si sur la longueur l'ambiance générale restait portée sur une certaine douceur.
Durée variables d'un morceau à l'autre mais le concert terminera un peu comme il avait commencé : Matt débute au chant d'une voix douce et lente mélodie de guitare, avant que ses comparses ne viennent ajouter bruitages et effets les menant vers un final intense, tendu, bruitiste, les trois artistes quittant alors la scène en laissant tourner leurs machines... Classique.

Petite déception donc que ce concert avec un artiste dont on préfèrera finalement la veine néoclassique plutôt que sa pop douce ou ses expérimentations qui nous paraîtront mal assurées. On ne regrettera tout de même pas notre déplacement puisque l'on aura découvert Julianna Barwick dont on essayera de suivre les productions.