EtherREAL - Magazine

Dynasty

François Bousquet — 2010-08-25T19:40:34Z

Si l'objectif du Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris et du Palais de Tokyo était d'obtenir un large écho à leur exposition commune, c'est diablement réussi. De fait, Dynasty, présentation conjointe de quarante jeunes créateurs, a connu une large couverture depuis début juin et cette chronique arrive peut-être un peu tardivement pour qui suit l'actualité artistique. Pour autant, on ne pouvait passer sous silence un événement qui, deux ans après la petite monographie consacrée à Jonathan Monk, voit les deux institutions travailler à nouveau de concert. Faute de thématique commune ou de ligne directrice véritable (hormis le fait d'avoir moins de 35 ans et d'être Français ou travaillant en France), on optera alors pour une recension qui suivra un schéma déjà éprouvé pour les compilations musicales touffues (au risque, assumé, de faire un peu catalogue). Après s'être attaché aux artistes déjà évoqués dans ces pages, on évoquera ainsi ceux non encore mentionnés ici et qui nous ont intéressés, laissant donc de côté les « découvertes déceptives ».


Oscar Tuazon - Kodiac: (courtesy Galerie Balice Hertling)


Camille Henrot - Dear Survivor: (courtesy Galerie Kamel Mennour)

Dans un Musée d'Art Moderne aux atours de Palais de Tokyo (quasi absence de cimaises, au moins au rez-de-chaussée, œuvres peu nombreuses, murs assez vides) et par lequel on conseillera plutôt de commencer la visite (tout simplement parce qu'avec les deux niveaux d'exposition, elle est plus longue qu'en face), les sculptures d'Oscar Tuazon font une nouvelle fois merveille. Le minimalisme des matériaux bruts (plexiglas, bois, acier) y est habilement confronté au gigantisme des réalisations tandis que, côté Palais de Tokyo, son Kodiac se fait tendu et léger à la fois. Autres sculptures convaincantes, les Dear Survivor de Camille Henrot sont des assemblages de plâtre et ciment blanc quasi-anthropomorphiques, avec leur tige d'acier faisant office de béquille, tandis que Daniel Dewar et Grégory Gicquel rendent hommage à un plongeur inconnu avec un monument en grès. Enfin, entre sculpture et vidéo, Florian Pugnaire propose Shadow Boxing : un film montre un cube d'inox poli recevoir des coups de poings et pieds sans que le bretteur ne soit visible et ce même cube trône ensuite, tout cabossé, au centre de la salle du Musée d'Art Moderne.


Vincent Ganivet - Tripode: (courtesy de l'artiste)

Déjà repérés en galerie, Vincent Ganivet et Vincent Mauger offrent des travaux particulièrement pertinents : les arcs en parpaings du premier sont toujours aussi légers, défiant les lois de la physique, pendant que les casiers à bouteille en polystyrène agglomérés du second forment une sorte de grande ruche aussi accueillante qu'inquiétante. Dans cette même veine organique, Yuhsin U. Chang utilise la poussière récupérée dans les deux institutions pour en faire des sculptures grises entre champignon atomique et coulées de lave figées. Accrochés au mur, les moulages en béton de volets clos de Masahide Otani et l'escalier mural aux marches (zinc rehaussé d'eau-forte) en forme d'O d'Antoine Dorotte convainquent également. Ambitionnant de faire le lien entre les deux bâtiments, l'inscription en LED Respublica de Nicolas Milhé est présentée sur le péristyle, là où Bettina Samson cloisonne son propos : photographie de constellations et adhésif sur fenêtre côté Musée, portraits en faïence figeant les expressions du héros de La Horde Sauvage côté Palais.


Julien Dubuisson - Ghost Dance: (courtesy de l'artiste)

Plus (trop ?) chargées, les créations de Stéphanie Cherpin convoquent matériel urbain (feux de signalisation, portails en fer, luminaires, bâches, ruban adhésif, tentes utilisées par les SDF) pour des résultats entre charniers citadins et hommages à la décrépitude. Rare peintre nous ayant conquis, Farah Atassi opère avec un trait relativement épuré et un travail sur la géométrie aux emprunts assez discrets. Pour terminer, mentionnons notre enthousiasme à l'égard du travail de Julien Dubuisson qui, avec sa Ghost Dance et sa Visite extérieure d'une grotte, développe une forme d'esthétique de l'absence. Les traces de pas sur des dalles de ciment, d'une part, et la matérialisation de l'intérieur d'une cavité, d'autre part, mettent ainsi du plein dans du vide et réciproquement. Celui qui nous avait déjà intrigués avec Basse Def, cette voiture concassée aux formes rudimentaires présentée dans un module du Palais de Tokyo l'an passé, confirme largement ici nos espoirs.

Pour en savoir plus, un site internet dédié est consacré à l'exposition : http://www.dynasty-expo.com/d/fr/

Camille Henrot : Perspectives

François Bousquet — 2010-08-12T12:48:04Z

Il existe de nombreux avantages à être un espace culturel adossé à une enseigne luxueuse comme Louis Vuitton : accueil par des jeunes gens en robe et costume noirs impeccables, accès au lieu d'exposition en empruntant un ascenseur plongé dans la pénombre qui est en réalité une œuvre commandée à Olafur Eliasson, possibilité de visiter l'exposition à l'aide d'un vidéo-guide mis sur l'un des iPods disponibles à l'entrée, catalogue classieux (couverture cartonnée rigide, cinquante-deux pages bilingues en quadrichromie) offert à la sortie. Sur le plan artistique, le prestige permet également de proposer à des créateurs encore jeunes une belle vitrine. C'est précisément le cas de Camille Henrot, jeune Parisienne déjà croisée au Prix Fondation d'Entreprise Ricard 2008 (et qui est, par ailleurs, en lice pour obtenir le Prix Marcel-Duchamp cet automne).


Espèces menacées: (courtesy Galerie Kamel Mennour)

La douzaine de pièces ici présentée voit principalement la jeune femme utiliser des matériaux contemporains pour réaliser des objets aux apparences ou motifs primitifs. Ainsi, des assemblages de durites usagées prélevées sur de vieilles voitures forment des sculptures très « arts premiers » (Espèces menacées), des roues de camion composent un lustre (Energeia Akinesis) et des ailes d'avion un totem (Prix du danger) tandis qu'un tapis représentant des immeubles et usines imite les motifs des Indiens Navajo (Architecture mobile). Reprenant une perspective vue chez d'autres plasticiens (on pense notamment aux masques anciens de Mathieu Mercier faits à partir de serre-fils), Camille Henrot en active les mêmes ressorts pour une même réussite. De fait, à la familiarité distancée qui naît de la reconnaissance des matériaux s'ajoute une réflexion sur l'acculturation, voire sur l'appropriation des traditions de l'autre.

Cette dimension ethnologique, quasi-politique, peut également se teinter d'une légère ironie quand la Parisienne agence une lance à incendie à la manière du symbole de l'infini, comme pour moquer la recherche d'équilibre et de continuité que symbolisait, chez les Mélanésiens, l'échange d'un objet de cette forme au moment du mariage (Tevau (italien)). On passera en revanche plus rapidement sur Scope, étirement vertical d'un film au format Cinémascope, Cynopolis, tentative de juxtaposition des pyramides égyptiennes et des touristes, et Objets augmentés, série d'objets domestiques plongés dans le goudron afin d'en augmenter le volume, pour retourner vers les travaux plus convaincants de Camille Henrot décrits précédemment.

Rita Ackermann : Last Exit To Poitiers

François Bousquet — 2010-07-26T12:06:46Z

Trois semaines avant le vernissage de ce Last Exit To Poitiers et alors qu'elle revenait d'une résidence à la Fondation Donald Judd, à Marfa au Texas, Rita Ackermann s'est installée au Confort moderne. Cette présence en amont lui a permis de produire spécifiquement pour ce lieu de grandes toiles, qui, associées à quelques autres, composent donc cette exposition.

Cette appropriation de l'espace vient naturellement interférer dans son travail, les matériaux et le style très urbain de sa peinture résonnent ainsi avec le caractère industriel de l'entrepôt-galerie. Plus encore, le fait que la plupart des toiles aient été réalisées in situ, les traces de peinture encore visibles au sol ou sur les murs, la présence de vidéos de son ami Harmony Korine ou la présentation simultanée de toiles préparatoires et de travaux finis conduisent cette appropriation davantage vers une résidence ou la transplantation de son atelier que vers une traditionnelle exposition muséale.


Rita Ackermann - Grand Bleu: (courtesy du Confort moderne)

Les très grands formats auxquels a eu recours la New-Yorkaise lui permettent de surcroît d'utiliser beaucoup de matière, d'aller même jusqu'à apporter un peu de relief à certaines œuvres sans pour autant que celles-ci ne paraissent trop chargées. En revanche, l'abstraction des personnages éloigne toute dimension politique qui aurait pu cependant être présente, notamment lorsqu'on constate, par exemple, la récurrence de la figure féminine dans ses travaux (à l'image de Grand Bleu, sorte de re-création d'une vierge à l'enfant). En vérité, il faut attendre la rencontre, dans une des salles du Confort moderne, avec Harmony Korine, convié à présenter un court-métrage tourné à La Havane, pour que cette approche apparaisse. De fait, tandis qu'un personnage inquiétant erre dans la capitale cubaine, dans un ambiance à la Gummo, un texte annonciateur d'une révolution communiste est lu en voix off ; en outre, des photogrammes tirés de ce court-métrage ont été retouchés à la peinture ou au collage par Ackermann. Affleure alors une forme de portée politique d'un travail face auquel on est plutôt resté extérieur par ailleurs.

Dreamlands

François Bousquet — 2010-07-24T12:54:18Z

Présentée fort opportunément au moment où s'ouvre l'exposition universelle de Shanghai, Dreamlands ambitionne de montrer en quoi les parcs d'attraction ont irrigué l'architecture urbaine jusqu'à créer des villes plus proches des Luna Park que des cités fonctionnelles d'antan. Intelligemment accrochée de manière diachronique (hormis les deux premières salles qui posent le débat en remontant à l'exposition universelle parisienne de 1889 et au pavillon surréaliste conçu par Salvador Dalí pour la Foire internationale de New York en 1939), Dreamlands mélange aussi astucieusement installations, photos et vidéos.


Kader Attia - Untitled (Skyline): (courtesy Galerie Anne de Villepoix)

Ainsi que le laissait imaginer le postulat initial, on se rend rapidement compte que la science-fiction a été rattrapée par la réalité. Le Fun Palace, projet utopique des années 60, trouve un prolongement avec une maquette du Centre Pompidou lui-même tandis que les villes fantasmées par Cao Fei et Christophe Berdaguer et Marie Péjus ressemblent par endroits à ce qu'est devenue Dubaï. La fascination de certaines villes comme New-York conduit Kader Attia à reproduire la Manhattan skyline à l'aide de frigos sertis de tesselles de miroir et Malachi Farrell à doter les buildings de bras articulés pour leur faire faire de l'aérobic au milieu de cartons d'emballage usagés.


Yin Xiuzhen - Portable City : New York: (courtesy de l'artiste)

Naît alors la volonté des plasticiens de reproduire, avec distance et ironie, ce monde qui les entoure. Joachim Mogarra peut ainsi réaliser les séries Les Lieux de la Foi et Images du Monde à base de pommes de terre sculptées pendant que Miguel Egaña découpe le faisceau de branchettes d'un balai pour lui donner la forme de la Tour Eiffel et balayer toutes les Tours Eiffel miniatures qui jonchent le sol (Balaiffel). Ce décalque factice trouve aujourd'hui sa plus grande résonance avec ces parcs d'attraction chinois où on peut voir la plupart des grands monuments mondiaux. Jia Zhang Ke y situe l'action de son The World et Wei Liu utilise de la pâte pour os à mâcher pour les recopier façon maquette (Love It ! Bite It !). Même souci de représenter un monde miniaturisé avec la micro-ville de Kingelez Bodys Isek, la valise d'Yin Xiuzhen et ses buildings en tissu ou les photos de Julia Fullerton-Batten (série Teenage Story avec ces adolescentes évoluant, comme Gulliver ou Alice, dans un univers miniature).

La reconstitution peut aller de ces formes plutôt poétiques jusqu'à la vulgarité kitsch de Las Vegas (photographiée par Thomas Struth ou Martin Parr) en passant par la ville et la communauté imaginées par Pierre Huyghe dans son film Streamside Days in an Annual Celebration et la vidéo tournée par Laurent Grasso dans les décors vides de Cinecittà. On revient alors aux villes rêvées comme l'EPCOT de Walt Disney ou Kandor de Mike Kelley, capitale de Krypton, planète d'origine de Superman, attestant que la science-fiction a réussi son travail d'irrigation.

Les Promesses du Passé

François Bousquet — 2010-07-11T14:10:39Z

Il y a deux ans, dans l'Espace 315 du Centre Pompidou, l'exposition Le Nuage Magellan partait du titre d'un roman de Stanislaw Lem pour évoquer les utopies déchues. Cette fois-ci, dans la Galerie Sud et ce même Espace 315 réunis, c'est une expression de Walter Benjamin qui sert de point de départ à une exposition qui se veut « une histoire discontinue de l'art dans l'ex-Europe de l'Est » des années 1960 à nos jours. Intelligemment classée par thématiques, la présentation (pensée par Christine Macel et la commissaire polonaise Joanna Mytkowska) évite de ce fait le côté catalogue, l'accrochage par périodes ou par pays et permet, de surcroît, de faire dialoguer créateurs récents (y compris occidentaux) et artistes des années 1960-70. À ce titre, on regretta un léger abus de superlatifs dans les cartels (« figure éminente », « acteur majeur », « précurseur », « figure centrale »), survendant un peu ces artistes pour un public dont l'exposition postule, à juste titre en ce qui nous concerne, qu'il ne les connaît pas

En revanche, la scénographie de la Polonaise Monika Sosnowska, avec ces cimaises en lignes brisées, laisse de la place aux œuvres, offre au spectateur de bons espaces de respiration tout en occupant bien le lieu et en servant le propos (ruptures, angles saillants et espaces quasi-dissimulés comme métaphores des conditions de vie des artistes dans les pays de l'Est). Dans l'Espace 315, la scénographie se fait encore plus importante, prenant le statut d'installation en tant que telle, lorsque le Slovène Tobias Putrih parsème le plafond de formes de cartons rendant le lieu quasi-étouffant.

Pour entrer davantage dans le détail, on releva, à la lecture du matériel d'exposition, que nombre d'artistes produisaient des œuvres contestataires (du pouvoir en place, de l'art officiel) sans véritablement le revendique. Reste à en savoir les raisons : volonté de discrétion de leur part (on peut imaginer qu'il ne faisait pas bon s'opposer, même par le truchement artistique, aux autorités) ou non-conscience de la portée de leur travail (cette dernière étant plaquée a posteriori par nous autres, exégètes contemporains) ?


Endre Tót - Zero Demo, Viersen: (courtesy Centre Pompidou)

À l'image de la démarche soviétique passant par toutes les strates de la société, les interventions des artistes présentés irriguent aussi bien le champ architectural que l'espace urbain ou les questions liées à la féminité. Pour le premier, les immeubles de Bucarest, Budapest ou Tirana sont filmés et photographiés par Ion Grigorescu, Tibor Hajas, Alban Hajdinaj ou Gentian Shkurti tandis qu'en écho, Cyprien Gaillard montre un cliché des débris d'une tour rasée à Dammarie-les-Lys et que David Maljković rêve à de nouveaux bâtiments. Investissant l'espace urbain, les créateurs y réalisent des « gestes micropolitiques » comme Bálint Szombathy qui promène un poster de Lénine dans les rues de Budapest, Endre Tót qui organise des manifestations où le « 0 » est le seul caractère présent sur les affiches ou Neša Paripović qui entreprend de traverser Belgrade en ligne droite, peu importe les obstacles. En troisième lieu, tentant de dépasser le carcan patriarcal, les femmes artistes tentent l'émancipation par parallélisme avec l'action politique (Sanja Iveković alterne plans où elle découpe un bas dont elle s'était recouvert la tête et images de propagande de Tito) ou bien en insistant sur la dimension maternelle (les sculptures en formes d'œuf de Mária Bartuszová).

Au-delà de ces manifestations artistiques agissant en réaction, les créateurs ont aussi entrepris de s'approprier certains codes et symboles occidentaux. Ainsi, Dimitri Prigov dispose du ruban adhésif sur des photos de femmes occidentales, afin de créer une sorte d'halo transparent autour d'elles, Sanja Iveković juxtapose des figures de mannequins issues des magazines et des cotons usés portant des traces de maquillage. Plus étonnamment, plusieurs artistes se sont mis en scène nus (en photo ou vidéo), comme si cet acte transgressif, pour banal qu'il soit devenu en Occident, avait constitué un acte de rébellion majeur dans ces pays.

Enfin, parmi les artistes récents déjà croisés ailleurs, on put saluer les vidéos de Tacita Dean dans laquelle des mots sont écrits sur un tableau noir d'école avant d'être effacés, de Mircea Cantor où il s'arrête sur un drapeau brûlé comme geste protestataire et de Yael Bartana qui parvient construire un kibboutz au cœur de Varsovie sans tomber dans le pathos commémoratif ou le mauvais goût.

Alchemy Box

François Bousquet — 2010-07-05T12:05:34Z

Espace d'art situé dans une belle bâtisse du XVIIe siècle, bordant un de ces grands parcs que l'on trouve sur les bords de Marne, la Maison d'art Bernard Anthonioz se fait, depuis 2006, hôte d'expositions plasticiennes. Associée pour l'occasion au FRAC Île-de-France, la Maison d'art, et le commissaire Christophe Gallois, proposent de présenter quelques œuvres récemment acquises par le fonds régional en prenant comme fil rouge la notion de montage et toutes les combinaisons que ce procédé appelle.


Isabelle Cornaro - Sans-Souci: (courtesy Galerie Balice Hertling)

À ce titre, on passera rapidement sur les photos-montages de John Stezaker, les assemblages hétéroclites et démonstratifs d'Isabelle Cornaro (Homonymes) ou le film de Morgan Fisher tout en jump-cuts pour se rabattre sur les travaux qui laissent davantage de place à l'interprétation du spectateur. Ainsi, l'Alchemy Box de Ryan Gander est une boîte fermée contenant des objets et documents dont la liste est affichée sur le cartel mais sans qu'il soit possible de vérifier que ladite boîte contient bien tous ces éléments. Même mystère poétique dans les Sans-Souci d'Isabelle Cornaro, dessins combinant bandes de papiers pliées et mèches de cheveux, ou dans l'Herbier de Mark Geffriaud, cette projection de diapositives déjà vue à la Fondation Ricard l'automne dernier.


Jimmy Robert - Untitled: (Collection FRAC Île-de-France)

Le montage peut également résulter d'une forme de parasitage d'images existantes lorsque Wade Guyton imprime en surimpression des motifs colorés sur des pages de catalogues et magazines ou bien quand Jimmy Robert déchire une autre page de catalogue et l'accroche telle quelle, dans une mise en abyme à la fois distancée et révérencieuse (Still Life). Enfin, le même Jimmy Robert dispose le long d'un mur plusieurs composants (boulette de papier, texte effacé à même le mur, portrait s'étant vu rajouté quelques morceaux de papier) et interroge alors la combinaison de ces éléments : fausses traces d'une performance passée ? préambules à quelque chose qui va arriver ? Là encore, liberté est heureusement laissée au spectateur de se faire son idée.

Miroirs Noirs

François Bousquet — 2010-06-25T22:46:28Z

Ces pages ont suffisamment souvent stigmatisé le lien un peu factice établi entre intervenants d'une exposition collective et l'intitulé fabriqué qui les reliait pour saluer une proposition qui démontre une véritable cohérence, suit parfaitement son intitulé et interroge avec pertinence son angle d'approche. Miroirs Noirs répond à ces caractéristiques puisque le commissaire, Vincent Romagny, a réuni dix-sept artistes en partant de cet instrument d'optique de la Renaissance, constitué d'une feuille noire appliquée derrière une plaque de verre et utilisé notamment par les peintres. Évidemment, plusieurs plasticiens jouent autour de ce noir, si symbolique dans l'histoire de l'art, mais ce n'est nullement la seule démarche retenue et, surtout, ce noir n'est nullement limité à la finalité que lui conférait le miroir noir.


David Dubois - Black Shirt: (courtesy de l'artiste)

Il sert ainsi de point de départ aux peintures de Charline Von Heyl et Bruno Perramant dans lesquelles il s'agit de repousser le noir aux extrémités du tableau, sous forme géométrique pour la première (P.), en peignant une grotte vue de l'intérieur (avec, au centre, la lumière venant de l'extérieur) pour le second (La Grotte). De même, les trois peintures d'Anne-Laure Sacriste (Le Lac, Nocturne 2 et L'Île aux Branches) voient des formes colorées agrémenter le fond uniformément noir tandis que la photographie apparemment sombre de Christophe Brunnquell révèle en réalité une femme nue en filigrane du papier baryté. Plus formellement, le concept même du miroir noir peut se trouver détourné par David Dubois lorsque celui-ci tend un grand drap noir avec un miroir rond en son centre (Integrated Mirror) ou bien dispose une plaque de verre sur un T-Shirt noir sérigraphié (Black Shirt).


Jutta Koether - Untitled (Bitches Brew, Black Version #2): (courtesy Sutton Lane Gallery)

Précisément, le travail sur la matière s'avère souvent particulièrement probant (plus, en tout cas, que les monochromes de Stéphane Kropf) surtout parce qu'il conduit à des réalisations imparfaites, pleines d'aspérités et loin de tout caractère lisse et bien soigné. Ainsi, l'apposition de verre liquide sur un châssis en bois par Jutta Koether produit un superbe effet de relief (Untitled (Bitches Brew, Black Version #2)), le grand tissu de Michael Riedel se trouve déchiré en son milieu (Four Proposals for the Change of NOIRS in the Title of the Show MIROIRS NOIRS) et le jeu sur la géométrie des lignes de Wade Guyton casse l'aspect uniforme du noir et blanc.


Gyan Panchal - Sans Titre: (courtesy galerie franck elbaz)

Encore plus attaché à la matière, et notamment aux composantes génératrices de celle-ci, Gyan Panchal accroche au mur deux cartouches d'imprimante, l'une telle quelle, juste surmontée d'un fusain, et l'autre comme moulée dans de l'argile, histoire de matérialiser le toner, grand producteur de noir. Enfin, Clément Rodzielski présente une table, avec un grand plateau noir, mais dont le piètement est difforme, bancal, comme pour rappeler que le noir est justement la teinte de l'irrégularité, de l'accident.

Lignes et contours

François Bousquet — 2010-06-14T11:54:31Z

Depuis quelques années, le dessin contemporain connaît un regain d'intérêt : le salon qui lui est dédié a de plus en plus de presse, les galeries s'attachent à cette technique et les musées l'exposent. Dans ce contexte, le FRAC Picardie, qui développe depuis sa création un travail de recherche sur le dessin, consacre sa seconde exposition de saison aux Lignes et contours. Au reste, le titre, assez explicite, indique qu'il sera aussi bien question du trait autonome que de celui qui permet de délimiter une forme.


Jean-Michel Alberola - Une Famille: (courtesy FRAC Picardie)

Un peu comme nous nous y attendions, la première veine (« fluide et instable » comme décrite par le dépliant) nous semble en réalité manquer de corps (les quatre dessins de Gabriel Orozco), se faire purement descriptivo-illustrative (les herbiers de Giuseppe Penone) ou trop vite répétitive (les vingt-trois réalisations alignées de Camilla Tucholski ou les quinze dessins de Luis Claramunt). Du coup, même le Sans Titre de Jean-Michel Basquiat paraît, par capillarité, désincarné. En revanche, quand il s'agit de tracer un véritable contour, une profondeur naît, qu'elle surgisse du néon Une Famille de Jean-Michel Alberola ou des trois silhouettes peintes à la gouache colorée par Didier Mencoboni (À Trois Pourquoi pas ?).


Stéphane Lallemand - Le verrou 2: (courtesy FRAC Picardie)

Même réussite lorsque, dans une salle en fin d'exposition dédiée aux copistes, une distance est prise par les artistes, qu'ils interviennent « à la manière de » (Dessin d'après... Seurat, Le bec du Hoc entre autres exercices de style) ou optent pour la peinture-vidéo comme Angel Vergara qui tient un stylet et fait mine de peindre une Belle femme au miroir bien réelle en vérité. Plus encore, on sera enthousiasmé par la série de Télécrans de Stéphane Lallemand dans laquelle le Français a recréé des tableaux des siècles derniers (Fragonard, Goya, Renoir, Wesselmann) sur ces jouets d'enfants. Critique des produits dérivés qui envahissent les musées, prise de position sur le « un enfant de quatre ans pourrait en faire autant » régulièrement entendu à propos de l'art contemporain et décalage facétieux : Lallemand vise assurément juste.

Mark Geffriaud : Et Mason

François Bousquet — 2010-06-01T10:01:32Z

Dispositif de plus en plus prisé, la double exposition sert souvent, au-delà du coup de projecteur qu'elle met sur l'artiste, à souligner le propos du créateur : travail en miroir dans l'un et l'autre des espaces, jeu sur les concordances et complémentarités, etc… Pour Mark Geffriaud, il s'agit d'intituler chaque exposition (l'une à la Zoo Galerie de Nantes, l'autre à Gennevilliers, donc) du nom des deux savants (Mason et Dixon) ayant tracé, au XVIIIe siècle, la frontière entre nord abolitionniste et sud esclavagiste aux États-Unis. En écho à ce travail en commun, le Français réalise chacune des œuvres présentées dans les deux espaces en collaboration avec un autre artiste, un commissaire d'exposition, un graphiste ou un écrivain.


Anti-Dumpty: (courtesy des artistes)

Globalement probante, cette démarche laisse quand même prépondérantes les thématiques chères à Geffriaud et dont on avait déjà pu apercevoir les contours : attachement à la matière et travail sur l'écrit et le document. La Lance en époxy qu'il a confectionnée avec Alex Cecchetti et la surface de bois réalisée avec Géraldine Longueville traduisent son goût pour la matière et la manière dont elle peut être agencée ou transformée. Ainsi, la lance fabriquée en pâte donne l'impression d'être taillée en bois et prête à être maniée par des chasseurs préhistoriques, tandis qu'Anti-Dumpty démontre que des copeaux de bois, a priori destinés à être inutilisés, peuvent constituer une aire plane entre radeau de fortune et découpe soignée.

Dans la lignée de ce qu'il avait pu montrer lors de l'édition 2009 du Prix Ricard, Geffriaud joue à nouveau sur la reproduction de textes et documents. Mais au lieu de les projeter par diapositives, il a fait imprimer sur vinyle, avec le concours d'Aurélien Mole, les éléments tapissant le mur de son atelier (travaux préparatoires, affiches…). Faux-semblant également avec Syzygy, alphabet apparemment imprimé, avec Charles Mazé et Coline Sunier, sur une grande feuille blanche mais dont on remarque, en s'approchant, qu'elle est en fait découpée au cutter. Les échancrures ainsi créées donnent sur une pièce sombre et c'est ce noir qui génère les lettres. Même jeu sur le noir et blanc enfin avec la présence de panneaux rainurés sur lesquels sont inscrits des titres d'autres œuvres, rejoignant alors l'idée de concordance évoquée initialement.

Esther Shalev-Gerz : Ton image me regarde !?

François Bousquet — 2010-05-29T16:28:54Z

Pour Esther Shalev-Gerz, née à Vilnius, élevée en Israël et vivant à présent à Paris, les échanges avec les autres sont évidemment capitaux. À tel point que ce souci de l'altérité et l'intervention d'autrui constituent les enjeux principaux de la monographie que lui consacre le Jeu de Paume. De fait, dans ses vidéos, photographies et installations, l'artiste convoque le concours de tiers afin de poursuivre de multiples objectifs : symboliser la périclitation de l'industrie (Sound Machine et ses femmes qui content leurs souvenirs de travail dans des usines textiles), figurer des féministes marquantes (Echoes In Memory, photographies de sculptures 3D d'Eva Hesse, Susan Sontag ou Patti Smith), faire témoigner des immigrés (First Generation), servir de mémoires des lieux (Anges inséparables : la maison éphémère pour Walter Benjamin, film dans lequel un chauffeur de taxi raconte l'histoire de lieux entre Weimar et Buchenwald) ou des peuples (White Out, qui fait intervenir une Laponne).

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Photogramme extrait de L'instruction berlinoise: (courtesy de l'artiste)

Mais surtout, Shalev-Gerz se sert de ces interventions comme voie médiate pour évoquer la Shoah. MenschenDinge voit ainsi des historiens, archéologues ou conservateurs de musée raconter leur rapport avec des objets trouvés à Buchenwald, Monument contre le fascisme rapporte l'expérience de la ville d'Hambourg-Harbourg qui a sollicité les passants afin d'apposer leurs signatures sur une sculpture, Entre l'écoute et la parole : derniers témoins, Auschwitz 1945-2005 nous présente face caméra ces rescapés tandis que L'instruction berlinoise est une re-création d'une pièce de théâtre écrite à partir des paroles prononcées pendant les procès d'Auschwitz. Cependant, avec ces deux dernières œuvres, le dispositif de l'artiste montre ses limites. Dans L'instruction berlinoise, une chorale chante les mots prononcés par les accusés (« Je ne savais pas/ce qu'on faisait/aux gens qui allaient là-bas ») et c'est peu de dire qu'un malaise certain naît, que les origines d'Esther Shalev-Gerz ne peuvent complètement dissiper. Moins dérangeant, mais tout aussi appuyé, Entre l'écoute et la parole : derniers témoins, Auschwitz 1945-2005 met en place des silences trop lourds de sens entre le moment où les lèvres des survivants racontent leurs souvenirs et celui où leurs phrases sont effectivement diffusées.

Alors que le montage vidéo D'Eux et sa juxtaposition de la lecture par Jacques Rancière de son Spectateur émancipé et de la passion pour les langues étrangères que raconte Rola Younes ne présente pas de véritable sens, cette dernière partie résonne judicieusement avec First Generation, installation placée de l'autre côté de la cimaise. Consacrée aux conséquences de l'immigration du point de vue des immigrés, l'œuvre reproduit, imprimées sur le mur, leurs réponses à des questions posées par l'artiste (En venant ici : qu'avez-vous perdu ? qu'avez-vous trouvé ? qu'avez-vous reçu ? qu'avez-vous donné ?) pendant qu'une vidéo saisit les participants en plans serrés. Cadrés sur des parties de leurs visages (yeux, oreille…), ces plans manifestent une évidente volonté d'universalisme par la non-identification induite des protagonistes.


Les Inséparables: (courtesy de l'artiste)

À côté de ces travaux, Esther Shalev-Gerz peut enfin proposer des jeux plus légers sur les lois de la physique avec sa vidéo Perpetuum Mobile (une pièce de 10 francs tournoie sans cesse) et sa double horloge Les Inséparables. Effectivement moins significatives que les pièces évoquées précédemment, ces deux œuvres démontrent que l'artiste peut se dégager de la forme de pesanteur ressentie à d'autres moments. De plus, elles prouvent qu'elle peut se passer du truchement d'autrui, auquel elle fait peut-être un peu trop recours par ailleurs, comme si elle n'avait pas suffisamment confiance dans ses propres réalisations.