EtherREAL

Disiniblud

François Bousquet — 2025-11-17T17:57:50Z

Organisé en collaboration avec Les Femmes s'en Mêlent et en plein cœur des trois semaines du festival, le plateau de ce samedi soir à Petit Bain n'était pas vraiment intégré à cette manifestation annuelle. Conséquence (?) : la péniche n'était pleine qu'à une bonne moitié pour assister à trois concerts d'artistes plutôt émergentes et officiant dans un registre majoritairement électronique. Arrivé trop tard pour assister à la prestation de Tratenwald, on pénétra dans Petit Bain quelques instants avant l'entrée sur scène de Nadah El Shazly. Associée à 3Phaz, chargé d'envoyer rythmiques et séquences préenregistrées depuis ses laptop et machines, l'Égyptienne livra quarante minutes de morceaux chantés en arabe, ambitionnant de combiner tradition et modernité.


Nadah El Shazly

Malheureusement, l'ensemble se manifesta par un vrai manque de sobriété : jeu avec ses cheveux lâchés, vocalises langoureuses, port de voix, mimiques, etc… Plus pertinente dans les titres plus bruts et plus rêches, quand elle rejoignait son acolyte aux machines ou quand le volume sonore se faisait plus puissant (tel le dernier morceau), la Cairote fut soutenue par des stroboscopes et autres spots clignotants, soulignant habilement la musique. Pour celle-ci, les apports électroniques non vocaux de 3Phaz constituèrent certainement la meilleure part d'un set trop maniéré.

Lors de la fin de notre recension enthousiaste du premier album de Disiniblud, nous nous demandions comment les Californiennes allaient traduire sur scène leurs morceaux, où toutes les parties chantées sont assurées par des invitées. Comme on pouvait s'y attendre, aucune ne les accompagnait pendant cette tournée européenne dont Paris était la seule escale française, et leur concert s'axa donc davantage sur les morceaux instrumentaux, servis par une orientation plus franchement électronique et une convaincante capacité à occuper l'espace sonore. De fait, là où les morceaux de l'album prennent parfois leur temps avant de livrer rythmiques et pulsations, Rachika Nayar et Nina Keith saturèrent fréquemment, et sans délai, le volume de Petit Bain par leurs mesures cadencées et relances propres à mettre le sourire aux lèvres.


Disiniblud

Secouant très souvent la tête en cadence, au gré des concours electronica des deux jeunes femmes, on fut immédiatement saisi, dès un Give-upping chargé de débuter le set (même ouverture que sur disque) dans lequel la voix de Julianna Barwick se trouva rejointe par des rythmiques entraînantes, des interventions au piano et des mélodies électroniques tourbillonnantes. En toute fin de prestation, on retrouva ces mêmes sensations, pendant Blue Rags, Raging Wind, chanté par Amigone. Entre ces deux bornes, pas vraiment de répit (exeunt les pistes arythmiques du disque) et peu de morceaux chantés, donc, sinon My Flickering Gift To You, avec la voix de Tujiko Noriko, agissant surtout par onomatopées, matériaux saccadés bien en phase avec les instrumentaux des Étatsuniennes.

Capables d'assurer des parties musicales sur de vrais instruments (Nayar au piano et Nina Keith à la basse, agrippée pour quelques mesures sur deux ou trois titres), les deux complices se jetaient des coups d'œil respectifs, témoignages de très bonnes synchronisation et entente, ainsi que de leur plaisir d'être sur scène (et le nôtre de les entendre et voir). Étonnamment peu réceptive, une partie du public quitta le concert pendant son déroulé, clairsemant progressivement la fosse pour nous laisser pleinement profiter de ces vagues rythmico-mélodiques prenantes.

caroline / Nina Garcia

François Bousquet — 2025-09-17T15:55:45Z

Trois ans après le premier album de caroline, le suivant (sobrement intitulé caroline 2) continue d'avoir les faveurs de la presse papier (des pleines pages dans des titres généralistes) et d'attirer un public de plus en plus large. De fait, leur concert parisien s'est trouvé complet deux semaines avant sa tenue et ce fut donc dans un Petit Bain surchauffé qu'on se rendit, se glissant jusqu'aux premiers rangs pour assister, en ouverture de soirée, au set de Nina Garcia.


Nina Garcia

Déjà croisée sur scène avec d'autres musiciens (Arnaud Rivière et Augustin Bette), celle qui agit aussi sous le nom de Mariachi s'assit sur un tabouret, ceinte de sa guitare électrique, à 20h30 tout juste. Avec deux gros amplis dans le dos, la jeune femme livra un travail sur le son et son traitement, singularisé par une grosse dose de saturation, dans une veine expérimentale assumée. Un jeu avec le vibrato et le sélecteur lui permit, tout d'abord, d'opérer quelques variations, avant de gratter vigoureusement ses cordes à l'aide d'une carte plastifiée et d'une corde tendue. Se levant ensuite, Nina Garcia joua en open tuning, face à ses amplis, générant bourdon et buzz, paraissant sculpter la matière sonore et lui donner une consistance matérielle, accentuée quand elle traina la pointe de son manche au sol. Physique et radicale, mais aussi intègre et puissante, sa prestation de quarante-cinq minutes conduisit toutefois plusieurs spectateurs imprudents à se boucher les oreilles, ou à reculer de quelques mètres.

Tout ce petit monde effectua, pendant les quelques minutes de changement de plateau, le mouvement inverse afin de se trouver en bonne place pour voir l'octuor londonien prendre place sur scène. Quand nous les avions vus à l'Antipode de Rennes, nous avions été frappés (outre la disposition en cercle, sur une estrade placée au milieu du public) par les regards incessants des Anglais les uns sur les autres, et l'excellente coordination qui en résultait. À Petit Bain, dans une configuration frontale plus traditionnelle, les huit musiciens s'installèrent en deux arcs de cercle ouverts, quatre de chaque côté, permettant de maintenir ce contact visuel permanent. Reprenant des caractéristiques typiques de leurs compositions, ils débutèrent souvent leurs premiers morceaux de manière un peu hésitante : voix détimbrée et éloignée du micro, accords de guitare grattée avec un son très métallique, frappes de batterie d'Hugh Aynsley déstructurées, violon d'Oliver Hamilton peu lié, etc…

Puis, un peu comme un mécano qui s'assemblait sous nos yeux et dans nos oreilles, tout se mettait en place, singulièrement à la faveur de passages en duos savoureux : voix mêlées de Jasper Llewellyn et Magdalena McLean, basse de Freddy Wordsworth et guitare électrique de Mike O'Malley à la fin de U R UR ONLY ACHING (chaque musicien avec sa tête délicatement posée dans le creux de l'épaule de l'autre), pizzicati de violon contre guitare acoustique, basse contre batterie sur la fin de Good Morning (Red). Pour construire leur post-folk, les Anglais avaient aussi recours à certains procédés inventifs, telle cette caisse claire collée à l'ampli central au début de song 2, pendant que la clarinette basse d'Alex McKenzie jouait, faisant indirectement vibrer les ressorts de la percussion. De même, Coldplay Cover (rien à voir avec cet autre groupe britannique) mettait aux prises deux chansons parallèles, chacune interprétée par la moitié du groupe, la première étant captée au micro par Magdalena McLean avant de rejoindre ses trois autres confrères pour donner leur propre partition. Mais, là encore, sous ses apparences désordonnées, caroline démontrait de grandes qualités d'écriture puisque, par exemple, les accords de guitare d'une chanson tombaient pile dans les silences de l'autre chanson.

Possiblement moins harmonieux et moins feutré qu'à Rennes, ce concert parisien, plus foutraque et plus free par endroits fit aussi largement la part belle aux morceaux chantés et aux propositions mélodiques plus identifiables de leur nouvel album. Sur disque, elles se trouvent en partie assurées par Caroline Polachek, suppléée ici par McLean sur Tell Me I Never Knew That. Si quelques petites fausses notes furent à déplorer, le groupe transposa avec brio ces titres chantés (When I Get Home notamment) jusqu'à un total euphoria conclusif, largement salué, dès ses premiers accords, par le public. Marqué par la présence de pas mal d'anglophones, ce dernier servit, ensuite, des applaudissements nourris et mérités au groupe anglais.

bdrmm

François Bousquet — 2024-03-04T17:23:11Z

Il arrive que des groupes changent plus ou moins fortement d'un disque à l'autre, faisant évoluer leur registre au gré de leurs envies et/ou de la composition de leurs formations. Arrivés sur scène, les options sont alors multiples pour ces ensembles : passer en revue l'éventail de leur discographie, se concentrer sur les plus récents travaux ou bien arranger les anciens morceaux dans la lignée des plus récents. Avec une modification de la moitié de ses membres entre son premier et son second album, bdrmm appartient typiquement à ce genre de groupes : un premier long-format très indie-rock, avant d'être repéré par Mogwai et signé sur Rock Action, pour un second disque beaucoup plus fouillé et moins direct.

Sur scène, dans un Petit Bain complet de très longue date (et qui faisait suite à un Point Éphémère, en novembre dernier, lui aussi plein plusieurs semaines à l'avance), les Britanniques ont fait le choix de documenter cette évolution, avec une première moitié de set principalement consacrée à I Don't Know (cinq des six premiers titres joués) et une seconde dédiée à leur premier effort. Laissons tomber tout suspense : nous fûmes vraiment emballés par la première et beaucoup moins par la seconde. Dans des morceaux comme Alps ou Standard Tuning (encore inédit, mais appelé à paraître en 10" mi-avril), les rythmiques sont travaillées, la voix de Ryan Smith se fait semi-traînante, semi-plaintive et l'atmosphère globale aérienne. Situé au carrefour de l'indie-rock et du shoegaze, mais avec une capacité à rester un peu en-deçà des murs de sons et à intégrer de l'électronique, bdrmm (ce chic du nom de groupe sans voyelles et écrit tout en minuscules) parvint à emporter l'auditeur, sans démonstration d'efficacité, ni facilités.


bdrmm

Les rythmiques proposées par Conor Murray venaient de sa batterie ou de samples aux atours caribéens et Joe Vickers proposait quelques arpèges de guitare enjôleurs. À côté, Jordan Smith, qui portait très haut sa basse, put prendre en charge, avec son jeu au médiator, la structure d'un morceau comme Be Careful. Sur It's Just A Bit Of Blood, enfin, des breaks permirent de relancer l'écoute, et d'annoncer l'arrivée d'accords grattés plus shoegaze. Positionné au cœur de cette première moitié, Gush, extrait de leur premier album, permit d'entrevoir la suite (ou plutôt, d'où venaient les Britanniques) : batterie régulière, structure couplet-refrain plus classique, voix plus blanche pour un résultat sonnant indie-pop 90's mais dans sa relecture du tournant des années 2000-2010.

Attaquant, ensuite, toute la série d'extraits de Bedroom (six morceaux sur les huit derniers), le quatuor bascula dans une séquence plus linéaire, avec un climat plus lourd et plus capiteux, parfois proche du stoner rock (ce qui permit de faire, probablement inconsciemment, le lien avec Marell, pénible trio toulousain qui officiait en première partie et qu'on prit soin d'éviter au maximum). Les murs de guitare étaient dressés, la batterie frappait sec et l'ensemble perdit une bonne part de l'inventivité et de la variété déployées dans les trois premiers quarts d'heure. On resta néanmoins jusqu'au terme du set, reconnaissant toutefois secouer la tête à quelques reprises.

Loscil & Lawrence English / Les Marquises

François Bousquet — 2024-02-16T17:21:47Z

Puisqu'il ne passe dans la capitale française qu'une fois tous les dix ou douze ans, il ne faut pas rater les venues parisiennes de Loscil, d'autant plus qu'on restait sur un très bon souvenir de son concert nantais, dans le cadre du défunt festival Soy, en 2017. Dans la foulée de la publication de Colours Of Air, début 2023, c'est avec Lawrence English que le Canadien sillonnait l'Europe pour une dizaine de dates. Alors que la concurrence était pourtant forte (Saint-Valentin, huitième de finale aller du PSG), Petit Bain était quasiment plein en ce 14-février, bien que cette salle ne soit pas forcément identifiée pour son appétence pour l'ambient ou l'électronique expérimentale.


Les Marquises

En ouverture, pour autant, l'équipe de programmation avait convié Les Marquises, proposition parfaitement cohérente avec ce qui allait suivre, puisque le projet de Jean-Sébastien Nouveau, après quelques disques plutôt indé ou pop, s'est orienté vers l'ambient. Accompagné par Martin Duru, posté au synthé, le Français, assis derrière son laptop, livra deux longs morceaux d'une vingtaine de minutes, et un court rappel. Pour les deux premiers titres : format un peu similaire avec l'entrée, au mitan, de pulsations, plus ou moins sourdes, venant recouvrir les nappes préexistantes. Sur le premier morceau, ces apparitions furent tout à fait bienvenues puisque l'ensemble se montrait assez monotone, conjonction basique de couches musicales arythmiques. Plus denses et lumineuses, les textures du deuxième titre étaient plus convaincantes, en lien avec des projections elles aussi plus riches.

En effet, sur la piste inaugurale, les visuels, en noir et blanc, alternaient vues d'étendues asséchées, de volcans, de fumées et de nuages, tandis que sur l'autre long morceau, forêts, végétation touffue et cascades étaient diffusées, en couleur. Possiblement, au reste, ces variations chromatiques influencèrent notre perception musicale, nous invitant à considérer la musique produite par Les Marquises en résonance avec ces images. Le chant, en français, de Jean-Sébastien Nouveau, fut introduit, de manière un peu anecdotique, sur le dernier morceau, par ailleurs porteur d'une mélodie plus affirmée, histoire d'exposer toute la palette d'intervention du musicien.


Loscil & Lawrence English

Debout derrière leurs machines, Loscil et Lawrence English prirent la suite, sur une scène baignée du rouge projeté sur l'écran, virant, dans des camaïeux progressifs, au bleu, tandis que des cercles concentriques orangés ou d'autres formes géométriques (sinusoïdales complexes, structures hélicoïdales) agrémentaient une palette colorée qui déclinait les visuels de leur album. Avec leurs basses appuyées et saturées, leurs textures ondoyantes et leur sorte d'ambient-dub arythmique, les deux musiciens parvenaient à croiser le meilleur de leurs deux univers individuels, dans de longues séquences enchaînées, donnant naissance à une offre pleinement intéressante.

Sans qu'on arrive précisément à distinguer ce qui relevait de Scott Morgan (placé côté jardin) ou de Lawrence English, des plages tenues étaient mises en regard de notes répétées, et des projections de synthé courbes et en crescendo se trouvaient intégrées. Sur Pink, titre un peu solennel avec ses deux notes appuyées de départ, sa basse saturée et enveloppante, les visuels évoluèrent, pour accueillir un carré noir paré d'un halo violacé, comme pour marquer davantage le coup. Placé en fin de set principal, ce morceau précéda un rappel qui, avec des velléités mélodiques et des éléments plus divers (bien qu'étant certainement trop bref), confirma l'impression d'ensemble laissée par une prestation qui monta en puissance et pertinence.

Haxo

François Bousquet — 2021-09-13T16:15:47Z

Pour reprendre les concerts, en cette rentrée où la plupart des salles (grandes comme petites) offrent une programmation progressivement proche de celle pré-covid19, rien de mieux qu'un début de soirée sur le toit-terrasse de Petit Bain. Pour ce mois de septembre, la péniche propose, chaque mardi, des lives ramassés sous l'intitulé « Assis soit-il » et dont la coloration résonne plutôt avec celle de ces pages. À preuve : pour ouvrir le mois, le duo Haxo se produisait, deux ans et demi après un concert où nous les avions découverts, lors du Sulfure Festival. À l'époque, ce duo contrebasse-électronique nous avait séduits, par l'originalité de son format, d'une part, et par sa musique, entre dark ambient et expérimentation, d'autre part.


Haxo

Postés sur l'estrade, parés à jouer à 19h30 précises, les Parisiens prirent immédiatement le parti de pousser le volet électronique de leurs compositions, possiblement pour occuper plus efficacement l'espace sonore, face à un public pas forcément venu pour leur concert (soleil et chaleur aidant, la tentation était grande de venir boire un verre sur le toit-terrasse, sans même savoir qu'un live allait s'y donner) et, aussi, pour compenser l'absence de visuels projetés. C'est ainsi qu'Aurélien Bonvoisin put envoyer des rythmiques sur des fréquences élevées, des notes aigues et une forme de noirceur contenue distillée par ses basses métronomiques. À ces coups pouvaient répondre des frappes de l'archet sur les cordes, manière de distinguer plus nettement le travail de la contrebasse.

De même, le dialogue avec l'électronique se faisait pertinent quand Jeanne Gorisse-Maerten jouait en cordes slappées, pour se joindre aux rythmiques programmées. En dehors de ces interventions et de quelques notes tenues, grâce à de longs passages à l'archet, son instrument restait un peu trop en arrière, faisant perdre en singularité à la musique du duo. À mesure que le set avançait, les pulsations se firent plus rapprochées, les rythmiques aigues rejoignant, dans leurs redoublements, les basses. Ainsi renforcé, l'aspect un peu brut de leur proposition pouvait constituer une légère déception par rapport à notre souvenir du duo, mais ne nous empêchera pas de guetter leur prochaine prestation.

Mondkopf / Tomaga / Black To Comm / Tern

François Bousquet — 2020-02-17T17:17:40Z

Toujours très varié, le festival How To Love, rendez-vous du mois de février à Petit Bain, offrait, pour ce jeudi soir pluvieux, une carte blanche à Mondkopf. Le musicien français en a profité pour inviter des musiciens opérant dans un registre assez voisin du sien, entre électronique et psychédélique, assez sombre, pour un plateau tout à fait cohérent, livré face à un public plutôt nombreux et dont les premiers rangs répondaient, par la danse, aux compositions données sur scène.


Tern

À 20h tout juste, Tern s'installa en ouvrant son set par des souffles profonds, des crépitements et des accords tenus, montant joliment en puissance. Mettant en place un beau sentiment d'enveloppement, flirtant parfois avec le larsen, Grégoire Couvert, passé ce premier bon quart d'heure, introduisit des roulements et de sourdes rythmiques pour un propos moins convaincant, trop dense en tout cas pour cette heure de la soirée et ce positionnement en ouverture de plateau. Vêtu d'un simple t-shirt à manches courtes, le Français était assisté de machines et d'un magnétophone à cassettes, pour des empilements de boucles qui, pour ses dix dernières minutes, revinrent à une forme d'arythmie, avec des vocalises masculines en arrière-plan, intelligemment mêlées au reste. Au total, on tenait quand même là quelque chose d'intéressant et à suivre.


Black To Comm

Invité à venir se produire quelques jours seulement avant cette soirée (après l'annulation, un peu tumultueuse, de Rafael Anton Irisarri), Black To Comm s'installa ensuite, casquette vissée sur la tête. Avec le bon souvenir de son concert aux Voûtes en 2015, on s'attendait à une prestation toute aussi prenante mais ce fut une petite déception. Pourtant, grondements, explosions, pulsations lourdes, basses profondes, grosse densité et opacité étaient bien présents pour ce set. De même, une batterie samplée, habile contrepoint de l'électronique, fut convoquée, permettant d'incorporer aussi bien des coups réguliers ou des roulements de caisse claire que des frappes sur une cymbale. Mais les saturations étaient trop poussées, les bruits grésillants trop frontalement opposés aux notes de clavier et les superpositions trop chargées, bien que la densité de la musique de Mark Richter fût assurément impressionnante.


Tomaga

Le plateau libéré, une batterie et d'autres machines furent dévoilées, dispositif en place pour accueillir Tomaga, duo dont le nom ne nous était pas inconnu mais sur lequel nous ne nous étions jamais arrêtés. Leur concert permit de réparer cet impair, tant la musique du groupe mérite d'être vécue en live. Installée derrière sa batterie, Valentina Magaletti alternait balais, mailloches et baguettes tandis que Tom Relleen maniait sa basse en même temps qu'un clavier et des machines. Un vibraphone, posé entre l'Italienne et l'Anglais fut également joué par les deux musiciens en même temps, dans la continuité de la belle concorde dont ils firent montre. Entre krautrock et psyché, leur prestation se distinguait par une batterie souvent syncopée, une basse bien présente et des machines pour enrober le tout. Nonobstant quelques facilités (jeu rapide de la basse sur un morceau) ou raideurs (le jeu aux baguettes de l'Italienne), Tomaga se fit très prenant, presque transcendantal, conduisant certains membres du public à se mouvoir, entre danse et transport exalté. Leurs instrumentaux énergiques se firent aussi captivants musicalement que visuellement, pour ce qui fut certainement la meilleure prestation de la soirée.


Mondkopf

Moins d'un an après l'avoir vu à Villette Sonique, Mondkopf donna, pour sa part, un concert assez similaire à celui du Cabaret Sauvage, accompagné des mêmes beaux visuels vidéos tirés d'un voyage en Islande : cascades, glaciers, volcans, falaises, oiseaux, etc… Musicalement, Paul Régimbeau, habillé d'un simple t-shirt noir, proposa une première moitié de set avec des titres arythmiques, pourvus de nappes et de basses, ponctués de vocalises sur chaque morceau, plus ou moins traitées. Un peu surprenantes quand elles étaient données en voix de tête par le Français, elles devinrent trop attendues à force. Heureusement, le propos se trouva renouvelé par l'introduction de pulsations prononcées, relayées par des effets lumineux stroboscopiques, soit un schéma impeccable alors que minuit approchait.

Lali Puna / Surma

François Bousquet — 2019-04-29T16:30:49Z

Passé le mois de mars, ses festivals et autres manifestations, retour à des concerts moins événementiels avec, en cette fin avril, la prestation parisienne de Lali Puna, dans la foulée de leur récent EP dont nous avons pu récemment rendre compte. Pour débuter la soirée à Petit Bain, et avant de retrouver les Allemands que nous n'avions pas vu depuis 2010 (ayant laissé passer leurs dernières venues à Paris), deux interprètes féminines avaient pris place. Ayant raté Zalfa, nous n'arrivâmes que vers 21h, pour le set de Surma, qui accompagne Lali Puna sur une bonne partie de leur tournée européenne.


Surma

Installée derrière ses machines, la jeune femme chantait dans un micro affublé d'un torchon et filtré par ailleurs. Posé sur une électronique plutôt correcte, ce chant se trouvait confronté à des rythmiques et des bribes mélodiques assez convaincantes. Malheureusement, la réception de ce set fut perturbée par les mimiques faites par Débora Umbelino pendant ses chansons : percluse de tics, la Portugaise hochait frénétiquement la tête, levait au ciel des yeux quasi-révulsés, se tordait les mains, etc… Cette forme de singerie des manifestations d'un handicap mental mit d'autant plus mal à l'aise que Surma s'exprimait, entre les morceaux, sans ces artifices. Peut-être qu'une grande timidité ou une nervosité pouvaient expliquer ce comportement, car il disparut quand elle se saisit de sa guitare électrique ou de sa basse, pour des titres plus riches musicalement mais, au demeurant, moins emballants.

Quand Lali Puna pris le relais sur scène, on constata qu'à l'instar des derniers disques du groupe, celui-ci était réduit à un trio électronique-batterie, la basse de Markus Acher n'ayant pas été remplacée, en tout cas pas physiquement et pas par un instrument réel. Placés de front, les trois musiciens enchaînèrent donc les titres, piochant dans plusieurs de leurs albums, jusqu'à remonter à Tridecoder, premier long-format du groupe dont Valérie Trebeljahr (avec son éternelle frange et cheveux tirés en arrière, mais dans une petite robe rouge au lieu de ses tenues sombres) rappela qu'il venait de fêter ses vingt ans. Le chemin parcouru depuis conduisit cette dernière à livrer des propositions vocales plus assurées (Bi-Pet, Move On, Micronomic, For Only Love), support à de vraies réussites musicales, dans un registre électro-pop très maîtrisé, sachant contenir les développements électroniques. Cependant, cette même voix continua de se briser quand elle montait dans les aigus et se détimbrait (6-0-3, Being Water), voire flirtait avec quelques faussetés par moments.


Lali Puna

Avec un volume sonore très poussé, y compris sur le chant, probablement destiné à se mettre au niveau de la batterie jouée par Christoph Brandner, Lali Puna fit secouer la tête de plusieurs spectateurs. Instrumentalement, toutefois, il manquait assurément une vraie basse pour faire le pendant des fûts et frappes de Brandner ; plus encore, les 80 minutes du set nous parurent un peu trop homogènes dans l'ensemble, bien que le public fut, dans sa majorité, réceptif et enthousiaste. Pour notre part, et nonobstant nos bonnes dispositions résultant de nos écoutes favorables des derniers disques de Lali Puna, nous quittâmes donc un peu déçus Petit Bain, tout en gardant en mémoire quelques refrains accrocheurs et bien troussés.

Ujjaya

François Bousquet — 2017-08-06T17:07:24Z

Depuis plusieurs mois, nous voyions passer le nom d'Ujjaya dans des lieux connus et apercevions son nom sur des publications suivies ou des programmes recommandables. Pour autant, l'occasion ne nous avait pas encore été donnée, pour des raisons d'incompatibilité d'agenda principalement, d'assister à l'un de ses concerts. Grâce à une « sieste musicale » proposée par l'association Atmosfeel sur la terrasse de Petit Bain en ce samedi, ce manque fut comblé. Découpé en trois mouvements (un concert rituel d'Ujjaya, une lecture sur l'ambient par l'auteur d'une anthologie de cde style musical, et un autre set dit « sleep concert » d'Ujjaya), l'après-midi se résuma, pour notre part, à sa première heure.

Installé sous un barnum et sur un tapis, entouré de tous ses instruments et machines, portant un T-Shirt à son nom (au cas où on ait un doute ?), Ujjaya délivra effectivement un concert dans son style de prédilection dit « ethno-ambient ». De fait, utilisant majoritairement sa vînâ (instrument à cordes doté de deux grosses sphères faisant office de résonateurs), le musicien adjoignait les sons de ses cordes à des nappes lancées de son sampler. Affublée d'un micro fixé sur la table, la vînâ pouvait alors voir ses sons agrémentés d'une réverbération qui venait judicieusement amplifier l'aspect mystique de l'ensemble. Si, dans ce contexte, on pouvait regretter que les apports vocaux fussent très largement issus de samples et non pas chantés en direct, la capacité d'Hery Randriambololona à habiter l'espace sonore était certaine et s'accommodait parfaitement des conditions : soleil intermittent, public partagé entre transats et matelas, proximité de la Seine, léger tangage de la péniche.

Au surplus, le musicien était capable d'aller vers des territoires un peu autres, quand une batterie lancinante était introduite, en même temps qu'un récit mettant aux prises une divinité. Ses divagations sur le manche de sa vînâ l'emmenèrent alors vers une forme de post-rock plutôt bienvenue. Plus tard, son instrument sonna comme un synthé lorsqu'elle fut jouée dans ses notes les plus aigües. La délaissant, Ujjaya se lava ensuite les mains au savon avant de se les frotter sur les anses d'un récipient en métal duquel avait été approché un micro. Les frottements de ses mains encore humectées produisirent alors de nouveaux sons tout aussi bien intégrés à ses nappes. Enfin, il se mit debout pour un dernier morceau peut-être moins convaincant car un peu moins riche, mais qui pouvait aussi se lire comme la conclusion de cette heure fort probante.

Spain / Marnitude

François Bousquet — 2016-06-15T16:14:52Z

Même si, intuitivement, la musique de Spain ne fait partie des priorités de ces pages, elle nous accompagne depuis près de vingt ans et le groupe états-unien a déjà été chroniqué ici-même, pour un concert à la Flèche d'Or fin 2013. Il était donc peut-être temps de consacrer une véritable recension à la formation de Josh Haden qui, pour son étape parisienne, se produisait à Petit Bain dans une configuration en trio.


Marnitude

En préambule, la soirée permit de découvrir Marnitude, groupe franco-belge dont le nom nous était connu puisqu'Arbouse Recordings avait sorti leur album en 2014 et qu'il venait de se produire avec Acetate Zero lors du retour du groupe parisien sur scène, il y a une petite semaine (concert non chroniqué ici, car on ne pouvait être à la fois au Trianon et au Pop In). Si on a quelquefois l'impression que les plateaux mêlant un artiste local et un groupe international en tournée sont montés un peu à l'arrache, sans véritable discernement, cette soirée vint démontrer qu'il était tout à fait possible de constituer une programmation diablement cohérente.

En effet, Marnitude délivra un set slowcore particulièrement appréciable : les accords de guitare de Jean-Rémy Papleux étaient grattés puis dotés d'une belle saturation, la basse de Julien Doigny marquait tous les temps, la batterie de Pauline concentrait ses interventions répétées sur une de ses composantes (charleston, caisse claire ou cymbale) et l'orgue de Pierre-Arnaud mettait en place des nappes à la saturation renforcée. Si quelques aspects peuvent probablement être encore améliorés (un solo de guitare un peu trop long par ici, des finales de morceaux trop souvent réduites à un dialogue basse/batterie par là), la belle ampleur que prenaient certains titres de Marnitude (notamment quand Papleux délaissait sa guitare acoustique pour une six-cordes électrique) nous invite assurément à suivre l'avenir de cette formation.


Spain

Entouré, pour cette tournée européenne, de deux musiciens, Josh Haden s'installa sur scène à 21h30, sa basse bien en main, tenue à l'horizontale, prêt à attaquer un set de près de cent minutes, piochant aussi bien dans les derniers efforts de Spain que dans les immarcescibles The Blue Moods Of Spain et She Haunts My Dreams (on regretta, néanmoins, l'absence de I'm Leaving You et Before It All Went Wrong, tirés de cet album). Placé côté cour, Haden opérait de sa voix grave et profonde tandis que, côté jardin, Kenny Lyon passait de la six-cordes électrique à corps plein à une guitare demi-caisse. L'utilisation de cette dernière permit, au reste, d'emmener la tonalité générale du côté du blues, notamment par l'usage du vibrato et d'une pédale wah-wah.

De son slowcore traditionnel, Spain put également évoluer vers des territoires plus proches de l'americana quand le tempo s'élevait, avant de retourner sur ses rivages plus habituels (le très attendu Untitled #1 ou l'impeccable enchaînement Nobody Has To Know / I Lied). Cette variété permit de renouveler le propos, au contraire de la manière dont les morceaux étaient construits, trop souvent échafaudés sur le même schéma : deux ou trois enchaînements couplet-refrain avant que Josh Haden ne se recule pour laisser Kenny Lyon se lancer dans un solo étiré à l'envi. Il s'ensuivit une certaine lassitude, corroborée par la durée du concert même si, de toute évidence, Spain n'a plus grand chose à prouver.

Soirée Morr Music : Slow Steve / Aloa Input / Fenster

François Bousquet — 2016-02-17T16:18:15Z

Il y a une quinzaine d'années à Paris, les soirées consacrées à Morr Music permettaient de voir Arovane, Phonem et Hermann & Kleine. Plus tard, on eut droit à des concerts comptant des groupes à chanteuse (Lali Puna, Ms. John Soda) avant que la tournée organisée en ce mois de février ne permette de voir Slow Steve, Aloa Input et Fenster. Symbolique de l'évolution du label allemand, ce plateau, initialement programmé à La Maison Sage (nouveau lieu parisien, pas encore prêt), avait été relocalisé à Petit Bain et ouvrit avec une prestation de Slow Steve, dans la foulée du EP du Français paru en mai 2015.

Armé de sa guitare électrique, Rémi Letournelle se situait au centre de la scène, entouré de deux camarades aux synthés (dont un double) et d'un batteur. Cette configuration renforçait ainsi ce qu'on avait pu ressentir à l'écoute du disque de Slow Steve, soit un aspect un peu dégoulinant et saturé du son proposé par la formation, bien que le fait de retranscrire en live ces compositions permît quelques digressions un peu plus aventureuses (Prince de Combat) ou bien le passage d'un des claviéristes à la basse, pour un jeu proche du funk. Néanmoins, la voix grave et traînante, pas toujours très juste (Sun Moon), du Rémois, n'aida guère à nous faire apprécier un ensemble dont le dernier morceau, plus long et fait de ruptures de rythmes (début dans un registre indie-pop, avant d'évoluer vers la ballade puis l'électro-pop), se montra nettement plus intéressant.

L'an passé, avait également paru un nouvel album d'Aloa Input. Fort logiquement, le trio allemand se trouvait aussi sur la route pour défendre cet effort et livrer un set dont les morceaux oscillèrent entre pop funky (basse rebondie, accords de guitare grattés) et aspects plus psychés (instrumentation assez riche, nombreux effets, travail à la pédale). Mélodiquement emballant (Perry, Another Green World), les titres des Allemands se signalaient, de surcroît, par de belles harmonies vocales entre Cico Beck et Florian Kreier tandis que l'introduction de samples parlés ou de samples de xylophones renouvelait les composantes. Pour conclure, Zweiklang fut convoqué, soit le dernier morceau d'Anysome (premier album du groupe), avec sa dimension plus éthérée, son chant plus aérien, sa réverbération et sa plus grande complexité.

Autre album sorti en 2015 par Morr Music, Emocean est à la fois un film et un disque, tous deux concoctés par Fenster ; partant, ces temps-ci, le groupe combine dates de concerts traditionnelles et ciné-concerts. Pour leur date parisienne, la première option fut retenue, bien que l'esthétique du film (et du disque) fut quand même présente sur la scène de Petit Bain. JJ Weihl s'était ainsi vêtue d'une ample tenue blanche et avait mis des paillettes au coin des yeux, Lucas UFO et Jonathan Jarzyna arboraient des coupes de cheveux (frisés, longs et à frange) héritées du flower power tandis qu'un poster de cheval assez kitsch était scotché sur le clavier de la jeune femme. Dans cette continuité, le début de leur set nous transporta sur les rivages d'une pop progressive : nappes de synthé, chant évanescent et ambiance limite émolliente. Passant à quelque chose de plus psyché par la suite, avec une volonté de rallonger les morceaux par rapport au disque et de densifier la rythmique (Elias Hock était ainsi convié à assurer la batterie, pour cette tournée), le quatuor se livra même à quelques petits clins d'œil (tel ce riff de Boys don't cry, inséré à la fin d'un titre). Sur le dernier morceau du set principal (avant, en rappel, de manière plus dispensable, la présence d'un titre plus ancien), Weihl et Jarzyna rejoignirent Hock à la batterie, elle au tom et au charleston, lui sur la tête d'une cymbale, pendant que Lucas UFO resta à la guitare et au synthé, belle conclusion d'une prestation cohérente.